RAZON Y PASION DE ENAMORADOS.

Fernando de Toro-Garland y Ruiz de Montilla (Santiago de Chile, 26/12/1925 - Madrid, 30/05/2017) fue un escritor, poeta, historiador, filólogo, profesor y jurista chileno, nacionalizado español. Autor de numerosas obras entre las que destacan la investigación, destacando los especializados en filología española, así como varios libros de historia, poesía, teatro, ensayo y novela. Diversos títulos obtenidos en Chile y España le condujeron a dar clases en sus universidades y también en alguna de EEUU y Canadá. Miembro de la Academia de la Lengua en Chile. Su pasión por el Teatro le llevó a fundar el "Corral de don Fernando" que llevó por norteamérica primero y por España después, numerosas representaciones populares.

El número 751 de la colección teatral Alfil nos trae esta Tragicomedia en tres actos de corte "celestinesca", uno de los temas investigados por el autor en torno a La Celestina de Fernando de Rojas. Una breve presentación en el interior y una referencia biográfica en la contraportada.

El autor traslada a tiempos actuales el papel de la Celestina y la prostitución de la mujer, pero no parece cuajar, más que nada porque esa figura se ha difuminado en la historia. La consideración de la mujer como una inconsciente que cuando dice no, quiere decir quizá o incluso sí al hombre que sonríe, es un mito que ha quedado arrasado en nuestros días. Al igual que el mito de que el hombre sólo tiene un pensamiento hacia la mujer, o es su santa esposa o es un objeto de deseo sexual. La prostitución se presenta como una salida para la mujer pobre, sin hombre a su lado, sin otra alternativa. Y al usuario, en un hombre casado, o un cura, o un joven que se calienta con su novia y luego va a desahogarse con una "profesional". El autor nos cuestiona sobre nuestra opinión, nos pone ante un espejo social de la falta de libertad para estas mujeres, las cuales a veces odian esta entrega que hacen con asco; o de los hombres que las tratan como un objeto, cuando no, violentamente o con desprecio. En fin, que aplicando el clásico nos invita a debatir sobre la libertad de la mujer y su consideración social.

@ 2025, by Santiago Navas Fernández.

LAS MANOS DE EURÍDICE.

Pedro Bloch (Zhitómir, Imperio ruso, 17/05/1914 - Río de Janeiro, Brasil, 23/02/2004) fue un escritor brasileño de origen ucraniano, primo del escritor y periodista Adolfo Bloch. De origen judío nació en Ucrania cuando ésta era parte del Imperio Ruso, aunque pronto emigró con su familia a Brasil. Médico de fama mundial en temas del lenguaje, viajó por varios países dando conferencias, entre ellos a España. Traductor de Casona, al tiempo que éste le traducía obras suyas. Autor de grandes éxitos teatrales a nivel mundial, de obras infantiles y alguna novela. Obtuvo el Premio de Teatro de la Academia Brasileira de las Letras, la Medalla de Oro de la Sociedad de Autores Teatrales y la Medalla de Oro al Mejor autor de la Asociación Brasileña de Críticos Teatrales. 

El número 650 de la colección de Teatro Alfil nos trae esta tragicomedia en dos tiempos, traducida y adaptada por Federico Soldevilla. El libro lleva una biografía del autor al dorso y una glosa del traductor en el interior. Fue estrenada por Enrique Guitart en el Teatro C.A.P.S.A. de Barcelona el 30 de noviembre de 1953.

Un monólogo donde el actor tiene la oportunidad de lucirse durante una hora, por eso hay muchas versiones de actores nuevos que lo interpretan. En Inglaterra lo representó Sean Connery. En España, ya hemos citado a Guitart. Un hombre nos relata entre aspavientos y cambios de estado, su historia de amor, su vida. Las manos de Eurídice son un poema suyo, son su amuleto, su secreto, su enamoramiento. Las manos de Eurídice son su perdición. Es una obra complicada, que nos irá descubriendo el sabor del fracaso, la frustración, el arrepentimiento. No necesita escenario, pero un encuadre adecuado, ayuda a crear el clima en el que se desarrolla esta historia, breve pero rica, que debe llevarnos a la reflexión. 

Puedes ver una versión también pinchando aquí.

@ 2025, by Santiago Navas Fernández

ENGLISH SPOKEN.

Lauro Olmo Gallego (El Barco de Valdeorras, Orense, 09/11/1921 - Madrid, 19/06/1994) fue un dramaturgo español. Está considerado uno de los dramaturgos más representativos del estilo del realismo social durante los años de la dictadura franquista y las primeras décadas de la democracia. También poeta, novelista, y escritor de narraciones breves y cuentos, sufrió los avatares de la emigración de su padre, la II República, la Guerra Civil y los años más duros de la censura de la dictadura franquista. Hasta 1962 no estrenó su primera obra, pero es autor prolífico incluida sus colaboraciones con su esposa Pilar Enciso, a la cual conoció en el Ateneo de Madrid, donde Lauro iba a leer en su biblioteca y se relacionó con diferentes intelectuales. Su vida en la capital le obligó a trabajar desde muy joven en cualquier oficio donde ganara algo, debido a la situación complicada de su familia, por lo que conoció de primera manos las tragedias de la pobreza y el hambre. Fue uno de los autores más censurados en España durante el franquismo, sin embargo, sus obras se tradujeron a varios idiomas y recibió numerosos premios como el Premio Nacional de Teatro, el Premio Leopoldo Alas, el Valle-Inclán, el Premio Larra, el Álvarez Quintero de la Real Academia Española (en dos ocasiones), Premio Mejor Obra extranjera de Buenos Aires, Premio Manuel Espinosa y Cortina de la Real Academia, Premio del Círculo de la Crítica de Uruguay, Finalista del Premio Nadal, el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, el Premio Fastenrath de la Real Academia, etc.

El número 607 de la colección Teatral Alfil nos trae esta Tragicomedia en dos actos, que fue estrenada en el Teatro de la Comedia de Madrid, el 6 de septiembre de 1968. El librito contiene dedicatoria y autocrítica interior, más una biografía al dorso.

La realidad de un momento sociológico de cambios y apertura en un país reflejado en un instante de un barrio humilde Madrid. Personajes enfrentados, la que sueña con un puesto de secretaria y requiere de idiomas como inglés o francés, un reto para una sociedad que se mira el ombligo y se cree el centro del mundo por una estúpida teoría política difundida por el Régimen. El "indiano" que vuelve rico y deslumbra con su supuesta vida de ensueño, ya no es el indiano del siglo XIX pero sigue siendo el distinto, el triunfador, el sueño idílico de una sociedad que ansía el aire fresco. Y alrededor personajes tópicos como el tabernero o su cuñada, el profesor de idiomas que odia la sociedad que no valora su profesión, los alocados jóvenes que buscan la fórmula magistral para ser felices y salir adelante, romper el techo de cristal que los asfixia. Olmo nos presenta un caos controlado de personajes representativos y rompe el final con una cambio radical, una introspección muy personal. Lo interesante es el laberinto. Una vez más, un teatro poco comercial pero de mucho contenido.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

LA PECHUGA DE LA SARDINA.

Lauro Olmo Gallego (El Barco de Valdeorras, Orense, 09/11/1921 - Madrid, 19/06/1994) fue un dramaturgo español. Está considerado uno de los dramaturgos más representativos del estilo del realismo social durante los años de la dictadura franquista y las primeras décadas de la democracia. También poeta, novelista, y escritor de narraciones breves y cuentos, sufrió los avatares de la emigración de su padre, la II República, la Guerra Civil y los años más duros de la censura de la dictadura franquista. Hasta 1962 no estrenó su primera obra, pero es autor prolífico incluida sus colaboraciones con su esposa Pilar Enciso, a la cual conoció en el Ateneo de Madrid, donde Lauro iba a leer en su biblioteca y se relacionó con diferentes intelectuales. Su vida en la capital le obligó a trabajar desde muy joven en cualquier oficio donde ganara algo, debido a la situación complicada de su familia, por lo que conoció de primera manos las tragedias de la pobreza y el hambre. Fue uno de los autores más censurados en España durante el franquismo, sin embargo, sus obras se tradujeron a varios idiomas y recibió numerosos premios como el Premio Nacional de Teatro, el Premio Leopoldo Alas, el Valle-Inclán, el Premio Larra, el Álvarez Quintero de la Real Academia Española (en dos ocasiones), Premio Mejor Obra extranjera de Buenos Aires, Premio Manuel Espinosa y Cortina de la Real Academia, Premio del Círculo de la Crítica de Uruguay, Finalista del Premio Nadal, el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, el Premio Fastenrath de la Real Academia, etc.

El número 565 de la colección teatral Alfil nos trae una tragicomedia en tres actos, el segundo dividido en dos cuadros, estrenada en el Teatro Goya de Madrid el 8 de junio de 1963 bajo la dirección de José Osuna. El librito incluye dedicatoria y presentación, así como una amplia descripción del decorado, en su trasera incluye biografía breve del autor.

En una pensión para mujeres conviven diferentes y de distintas edades y circunstancias. En la calle cercana hay prostitutas en la noche, en el barrio todo transcurre como si tal cosa. Y las beatas acuden a su misa y espían la vida ajena para criticarla, sobre todo, en lo concerniente a "la carne". Conoceremos varios tipos de mujeres, todas sometidas a la tiranía de la moral, ocultándose de ellas mismas, despreciadas por otras pías y moralistas. Hombres canallas y chulos, que cuando no consiguen llegar más allá de los besos, tiran de prostitutas. Un mundo falso donde las pasiones se ocultan, donde se avergüenza a quien quiere ser como es, donde no existe más posibilidad para la mujer que casarse o ser una soltera despreciada. Trágica sociedad rodada a todo color porque en realidad, no hace tanto que eso era generalizado, hoy hay algunas lagunas de esa mordaza moral y la amenaza de su retorno.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

CALISTO Y MELIBEA.

A Fernando de Rojas (La Puebla de Montalbán, 1465​ - Talavera de la Reina,  1541) se le reconoce como autor de La Celestina, siendo ésta su única obra, pues se le reconoce más por su labor como jurista muy valorado en su tiempo. Su origen judío, criptojudío, explicaría la animadversión hacia ciertos aspectos de la obra. Fuera de esta fama, en las primeras ediciones de La Celestina no se citaba autor, por lo que cabe pensar que de Roja pudiera ser editor y parte de su pluma modificó un texto anónimo en su inicio, por que así fue o porque sus autores no quisieron reconocerlo. Finalmente el personaje superó al ser humano real y adquirió presencia en algunas novelas de nuestro siglo, como la serie policíaca de Luis García Jambrina que lo convierte en detective . Y con esto animarte a que, aunque te parezca extenso, lo leas, que algo se quedará, no olvidar que su primer título es "Tragicomedia de Calixto y Melibea".

El número 530 de la colección teatral Alfil es considerado como EXTRA, esta tragicomedia conocida como "la Celestina" ha sido adaptada para la escena por Domingo González, en tres actos con un prólogo y un epílogo. El librito viene precedido de una serie de notas y opiniones de autores para su desarrollo. Llevada al cine en varias ocasiones. El estilo, la ubicación en el tiempo y los diferentes caminos que ha llevado hasta nuestros días, dejan ciertas incógnitas pero también buenos consejos y picaresca en su texto.

Ya la hemos visto anteriormente, así que me remito a los comentarios realizados la anterior vez, que podéis ver pinchando aquí.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández.

EL TRICICLO.

Fernando Arrabal Terán. (Melilla, 11/08/1933), escritor, artista, director de ópera y cineasta vanguardista e iconoclasta, desarrolla su labor indistintamente en español y en francés. Hijo de un militar que se opuso al levantamiento y fue condenado a muerte, luego conmutada por cadena perpetua, hasta que estando en el presidio de Burgos, escapó en pijama y sobre la nieve y nunca más se volvió a saber de él. Fernando estudio como un niño con capacidades especiales y pronto se inclinó por la literatura, viviendo a caballo entre España donde no se le reconocía y Francia, donde se juntaba con los intelectuales del momento y participó de diferentes corrientes. Escribió novelas, poesía, teatro, guiones para películas, etc. e incluso ha realizado una exposición de pintura. Sus obras las tradujo al francés su propia esposa que era de esa nacionalidad. Miembro del Colegio de Patafísica, ha recibido diferentes reconocimientos: Gran premio del teatro de la Academia Francesa, Premio Mariano de Cavia, Premio Nadal (1982), Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes (1987), Premio Espasa de Ensayo (1994), Grand prix du livre d'histoire de la Société des gens de lettres (1996), Premio Nacional de Teatro (2001), Caballero de la Orden Nacional de la Legión de Honor (2005), Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio (2019), etc.

El número 523 de la colección teatral Alfil nos trae esta tragicomedia en dos actos, estrenada comercialmente en febrero de 1961 en el Teatro de Poche Montparnasse de París. En enero de 1958 se representó en el Pequeño Teatro de Madrid dirigida por Josefina Sánchez Pedreño.

Nos cruzamos con ellos y no los vemos, nuestros ojos se acostumbran a los semáforos, a las papeleras, a las farolas, como nos acostumbramos a ver personas durmiendo en una esquina, en un parque... Pero son seres humanos con una historia detrás. Arrabal coge algunos de estos personajes y nos los pone enfrente. El teatro del absurdo comienza, dos personajes tienen un triciclo alquilado, con él se van al parque y dan vueltas a los niños a cambio de algunas monedas con las que van mal viviendo, pero tienen que pagar la mensualidad. No son mala gente, aceptan su destino, incapaces de robar más allá de lo que necesitan para sobrevivir ese día, si hace falta; son perseguidos por la policía, por los porteros de los hoteles, por la gente bien vestida y con billetes... Tienen una amiga que lo único que quiere es suicidarse pero como concepto. Pero la justicia será implacable, a pesar de eso, de su corazón nacerán los razonamientos más sensibles, como aquella de repartir sus escasas propiedades. Los diálogos cargados de inocencia están repletos de posicionamientos sociales, de reflejos de humanidad. Obra corta que nos debe mover a pensar, aparte de que nos pueda arrancar alguna sonrisa.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández.

EL CUERPO.

Lauro Olmo Gallego (El Barco de Valdeorras, Orense, 09/11/1921 - Madrid, 19/06/1994) fue un dramaturgo español. Está considerado uno de los dramaturgos más representativos del estilo del realismo social durante los años de la dictadura franquista y las primeras décadas de la democracia. También poeta, novelista, y escritor de narraciones breves y cuentos, sufrió los avatares de la emigración de su padre, la II República, la Guerra Civil y los años más duros de la censura de la dictadura franquista. Hasta 1962 no estrenó su primera obra, pero es autor prolífico incluida sus colaboraciones con su esposa Pilar Enciso, a la cual conoció en el Ateneo de Madrid, donde Lauro iba a leer en su biblioteca y se relacionó con diferentes intelectuales. Su vida en la capital le obligó a trabajar desde muy joven en cualquier oficio donde ganara algo, debido a la situación complicada de su familia, por lo que conoció de primera manos las tragedias de la pobreza y el hambre. Fue uno de los autores más censurados en España durante el franquismo, sin embargo, sus obras se tradujeron a varios idiomas y recibió numerosos premios como el Premio Nacional de Teatro, el Premio Leopoldo Alas, el Valle-Inclán, el Premio Larra, el Álvarez Quintero de la Real Academia Española (en dos ocasiones), Premio Mejor Obra extranjera de Buenos Aires, Premio Manuel Espinosa y Cortina de la Real Academia, Premio del Círculo de la Crítica de Uruguay, Finalista del Premio Nadal, el Premio Nacional de Teatro para la Infancia y la Juventud, el Premio Fastenrath de la Real Academia, etc.

El número 519 de la colección teatral Alfil nos trae una Tragicomedia en dos actos, estrenada en el Teatro Goya de Madrid el 4 de mayo de 1966, bajo la dirección de Julio Diamante. Contiene dedicatoria y breve presentación del autor, más una biografía al dorso.

Obra cargada de intención, como casi todas las de Olmo, que permanece subyacente para que cada uno lo interprete a su gusto, hay que tener en cuenta el momento en que se escribe y que era un autor al que la censura ya le había prohibido alguna obra e incluso en ciertos círculos se le acusaba de comunista. Un maduro entrado en la cincuentena ha dedicado su vida al culto a su cuerpo, haciendo gimnasia, deporte y sólo lee periódicos deportivos, vive a expensas del patrimonio heredado por su esposa que va despareciendo poco a poco. Se insinúa un tanto el posible enamoramiento de la sobrina de su mujer, sin embargo, nada de esto ocurre, su relación con la juventud es tormentosa, las nuevas generaciones no le merecen confianza. Machista y violento, al menos de palabra, su mujer ya está acostumbrada aunque no le gusta que sea así. En todo caso, la única cosa que le mantiene activo es la exhibición de su musculatura.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

BANDERA NEGRA.

Horacio Ruiz de la Fuente (La Coruña, 10/12/1905 - ¿?)  alcanzó su máximo esplendor tras la contienda civil de 1936-39, al estilo de autores como Calvo Sotelo, Pemán o Giménez Arnau, sus obras son tesis de ideología católica, en la que juega con apariciones, ángeles y misterios; su teatro se caracteriza por utilizar pocos personajes, a veces uno, a veces dos... combinándolos en tramas que mantienen la tensión para llegar a un rápido final. Alguna alcanzó tal proyección que llegó a ser un guion cinematográfico.

El número 392 de la colección de Teatro Alfil nos trae una Tragicomedia a una sola voz, estrenada en el Teatro María Guerrero de Madrid el 10 de enero de 1963.

Obra de monólogo que nos presenta a un hombre atormentado por la muerte que se acerca, al principio no sabemos de quién ni por qué, pero poco a poco iremos descubriendo su historia. Dos mujeres aparecen en primer término, una fe ciega religiosa en un Dios con el que dialoga de tu a tu a través de personajes irreales que sólo viven en su mente, su propio yo. El hijo sale por fin a la luz, el verdadero protagonista de la historia que conocemos a través del padre, que lo justifica y comprende, que nos cuenta sus penalidades, sus circunstancias. Casi aduce que son sus eximentes, pero sin llegar a ello, se siente el verdadero culpable y como tal, se ofrece a pagar la pena él, ante un tribunal sin forma, un tribunal que no existe más que en su interior. Queda abierto el debate sobre la pena de muerte.

@ 2024 by Santiago Navas Fernández.

EL CABALLERO DE OLMEDO.

Félix Lope de Vega Carpio nació en​ Madrid el 25 de noviembre de 1562 y falleció en la misma plaza el 27 de agosto de 1635 dejando una ristra de más de 3.000 sonetos, varios centenares de Comedias (1.800 según Juan Pérez Montalbán), cinco novelas largas, cuanto novelas cortas, nueve epopeyas, tres poemas didácticos, etc. etc. etc. que diría don Simón, llegando a tal su fama que bastaba con decir "es de Lope" para que ya la obra triunfara; además de eso y debido a su fogosidad amorosa, se le reconocen 15 descendientes de diferentes mujeres, por supuesto, y tantos otros que se sospecha. Llamado Fénix de los ingenios​ y Monstruo de Naturaleza (en este caso por su "rival", Miguel de Cervantes) fue uno de los poetas y dramaturgos más importantes del Siglo de Oro español, además por el número de títulos, porque renovó las fórmulas del teatro en un momento en el que comenzaba a ser un fenómeno cultural de masas, del cual se constituyó en máximo exponente junto a Tirso de Molina y Calderón de la Barca. Amigo, entre muchos otros, de Álvaro de Bazán, Francisco de Quevedo y de Juan Ruiz de Alarcón, enemistado con Luis de Góngora y en larga rivalidad con Cervantes, su vida fue tan extrema como su obra. Fue padre de la también dramaturga sor Marcela de San Félix, una de sus hijas, la única que se conoce que le sobrevivió. Tuvo que ganarse la vida como secretario de diferentes personajes, se alistó en la marina, fracasó en sus estudios y comenzó componiendo piezas en busca de su oportunidad, siempre corriendo tras alguna falda. A pesar de todo, se ordenó sacerdote e hizo cierta carrera religiosa que le inspiró para otras composiciones y a los últimos años de su vida "compaginó" con una hermosa joven de veinticinco años, para que su fama no rindiera ni un momento, a la cual vio fallecer en sus brazos y de la que tuvo una hija que escapó con un tal Cristóbal Tenorio sin tener referencias jamás de su paradero. Su muerte acaeció en su casa de Madrid, hoy Museo. Fue objeto de numerosos elogios, en particular en España y en Italia. Sus restos pasaron a mediados del XVII a una fosa común.

El número 295 de la colección teatral Alfil, es declarado EXTRA y forma parte de la subcolección de clásicos teatrales que esta editorial publicada adicionalmente. Se trata de una Tragicomedia en tres actos que ya vimos en la colección Orbis. Al dorso hay una corta biografía del autor.

Parece ser que inspirada en coplas que corrían o en algún manuscrito, esta obra cuenta un suceso tenido como verídico y tal vez sucedido un siglo antes de que Lope lo redactara, en tres actos y en verso entre 1620 y 1625, sin que lo viera impreso jamás, pues la primera edición se hizo hacia 1641 en Zaragoza, también fuera del control de sus herederos. El caso es que aquí se cuenta una tragedia de honores y amores, algo muy usado, que acaban en sangre como consecuencia de su intensidad. El caballero don Alonso, natural de Olmedo viaja a Medina del Campo y allí se enamora de la joven y noble doña Inés, a la que rondaba un supuesto prometido, don Rodrigo que, de serlo, no lo era con total complacencia de la muchacha. El caso es que don Alonso contrata a una alcahueta para que medre y le entregue sus cartas, a lo que la joven responde dejando una pieza de tela que se ha de vestir para que ella viéndole, pueda apreciar su físico antes de entrar en relación, pero mira qué casualidad que don Rodrigo acompañado de su amigo (que quiere conquistar a la hermana de doña Inés) pasea cerca de la casa y descubre la tela. Los celos saltan. La joven es ganada por el galán, mediante engaños convence a su padre que quiere ser monja y que necesita un maestro de latín, que será el sirviente del caballero de Olmedo, y una asistente, que será la alcahueta. Pero claro, don Rodrigo no está ocioso. En las festividades celebradas en Medida, destaca el caballero a caballo contra un toro, el joven celoso desea no ser menos y a pique está de morir si no hubiera sido por que le salva el propio caballero, lo que aún le enfurece más. Una nube negra en la mente del de Olmedo le hace temer y acude a su lugar de nacimiento para ver a sus padres cuando tres personajes se le acercan: don Rodrigo, el amigo y un sirviente que lo herirá de muerte sin esperarlo.

@ 2023, by Santiago Navas Fernández.

LAS NUBES.

Alfredo Marqueríe Mompín (Mahón, 17/01/1907 - Minglanilla, Cuenca, 31/07/1974) fue un periodista y crítico teatral, autor también de obras de teatro y adaptaciones de clásicos, poeta en sus años iniciáticos y escritor de artículos y ensayos, así como de algunos libros de carácter autobiográfico.  Alumno de Antonio Machado, primero fue republicano y posteriormente se transfugó como falangista ingresando en las tertulias donde compartió con Sánchez Mazas, Dionisio Ridruejo, Víctor de la Serna, José María Alfaro, Agustín de Foxá, etc. Colaboró con publicaciones patrióticas en revistas periódicas durante la Guerra y el franquismo. Premio Nacional de Literatura en 1934 y de Teatro en 1953, entre otras distinciones. Falleció trágicamente en accidente de coche junto a su esposa. Aristófanes (Atenas, 444 a. C. - íd., 385 a. C.) fue un comediógrafo griego, principal exponente del género cómico, criticó duramente las nuevas corrientes filosóficas, en particular a Sócrates y ridiculizaba el teatro de Eurípides con sus tragedias sangrientas, amanta del debate y el diálogo que refleja en sus obras, con obras tan conocidas como "Las avispas", "Lisístrata" y "Las nubes" entre muchas otras.

En el número 134 de la colección teatral Alfil, aparecen dos obras clásicas griegas versionadas por Alfredo Marquerié. La segunda es Las Nubes de Aristófanes, de la cual no hay referencia que fuera estrenada en el propio librito. En esta obra apareció por primera vez el signo de levantar el dedo corazón como símbolo de desprecio o denegación.

Obra costumbrista ateniense en la que aparecen personajes propios de la época como Sócrates y su escuela filosófica, en la que se lanzan duras críticas contra los sofistas. Para ello se representa a un rico hacendado Estrepsíades cuya ruina es inminente por culpa de su hijo al que sólo le interesan los caballos y abandona sus obligaciones por ello. El padre decide mandarle a la de moda escuela de Sócrates y su discípulo Querefonte, pero el joven Fidípedes se niega a ir al "pensadero" como lo llama críticamente Aristófanes. Así que irá el pobre viejo hacendado, rústico e inculto que acabará asumiendo hablar con las nubes, las cuales son diosas y no Zeus, tras una cómica escena donde aparece Sócrates observando el cielo metido en una cesta colgada en altura. Lógicamente, al viejo se le olvidan todas las enseñanzas. En la primera representación allá por el 423 a.C. las nubes eran mujeres que iban completamente desnudas, pero a pesar de ello, Aristófanes no obtuvo el éxito buscado y cambió las versiones, la última que hizo es la que ha llegado a nuestros días.

@ 2023, by Santiago Navas Fernández.

ROSA DE MADRID.

Luis Fernández Ardavín (Madrid, 1892 - 1962), dramaturgo y poeta del modernismo, periodista y guionista cinematográfico, hermano del director de cine Eusebio Fernández Ardavín para el que realizó varios guiones incluso de sus propias obras, además de libretista de Zarzuelas como "La Parranda", "El señor Pandolfo", etc. completadas por Amadeo Vives, Francisco Alonso o Moreno Torroba. En Teatro destacan "La dama de armiño" sobre los amores de la hija del Greco con un judío en el Toledo del siglo XVI, "La vidriera milagrosa" sobre Isabel de Hungría, etc.

Número 102 de la colección teatral Alfil que se estrenó el 27 de noviembre de 1925 en el Teatro Arriaga de Bilbao. De esta Comedia teatral dividida en tres actos y en verso, surgió un schotis ó chotis muy madrileño de similar título, con letra de José Soriano (m.1973) y música de Luis Barta (1887-1978) que ha sido cantado por Lilian de Celis, Sara Montiel, Nati Mistral, Conchita Piquer, etc.

Comedia trágica que refleja con elegancia las pasiones de una sociedad muerta por "el qué dirán", las apariencias y la falsa honradez, el pecado natural que se atribuía a la mujer y el sentimiento de dominio del hombre sobre ella. Rosa es una modistilla de Chamberí, todo muy castizo, de hermosa belleza y juventud explosiva, lista y trabajadora, con un novio formal pero mira tu por donde, un teniente militar apuesto y oportuno se cruza en su vida y abusa de ella en un momento que ha perdido el sentido. Y la deja embarazada, lo que es una condena para una mujer de su época, pero gracias a una vecina y a su honradez y laboriosidad, sale adelante con un taller de costura propio. Por tener la hija renuncia a su novio, renuncia al amor y se dedica a su trabajo. Pero el pasado, que siempre vuelve, le traerá de vuelta al teniente mientras rechaza a su antiguo enamorado que ahora se va a casar con la hija de la mujer que la ayudó a salir a flote. Una complicación como lo es la vida misma.

@ 2023, by Santiago Navas Fernández

EL SOLAR DE MEDIACAPA.

Carlos Arniches (Alicante, 1866 - Madrid, 1943), creador del estilo que denominó la tragedia grotesca donde aspiraba a influir en un regeneracionismo de la sociedad; manejó el modismo madrileño de manera excepcional, colaboró como libretista en varias zarzuelas populares, escribió poemas y artículos críticos, pero su fama le vino por la cantidad de obras teatrales generadas por su ingenio desde 1888. A veces con cierto mensaje como en los casos "Es mi hombre" o "La señorita de Trevélez", obras satíricas; pero siempre usando el humor sencillo como hilo conductor y que le daría tanto cartel. Algunas de ellas llevadas al cine, la primera, muda,  en 1925 versionando "Don Quintín el amargao". 

Número 86 de la colección La Farsa. Se trata de una Tragicomedia en tres actos que fue estrenada en el Teatro de la Comedia el 21 de diciembre de 1928. El librito editado en esta edición contiene dibujos de Almada y la portada se corresponde con el protagonista del "El Caballero de Olmedo" escrito por Lope de Vega, la cual obra tuvimos ocasión de leer en este mismo blog, ver aquí.

Ambientada física y costumbrista en el Madrid de la época actual (tomando las fechas de estreno, claro), se mueve entre el humor y la seriedad pues no sólo la risa busca sino también denunciar costumbres tan arraigadas como la del chulo que va enamorando a las muchachas hasta que caen rendidas o les saca "algo" para dejarlas abandonadas a continuación y dedicarse a seducir a la siguiente, una especie de donjuanismo que la propia literatura parecía alabar a través de los tiempos y que hoy se considera un síntoma de inmadurez. "Sidoro" es un no tan joven que tiene alguna fortuna y un solar, es sastre aunque no muy preciado, pero lo suficiente para pasar por la vida disfrutando sin ocuparse de en qué o contra quien, vive con una vieja tía como único familiar y ha fundado con unos amigotes, un club en un solar de su propiedad por el que pasan las incautas que caen en sus encantos, que no son pocas. Pero como le augura una, llegará una muchacha que se lo hará pagar por todas. Y ahí es donde la trama nos va a presentar a otro tipo popular, el estafador de pacotilla. No digo más, que hay que leerla hasta el final porque aunque tragedia, también es comedia.

@ 2023, by Santiago Navas Fernández

LA CELESTINA

Todos y todas conocemos esta obra pero lo cierto es que casi más por su exposición en película que por su lectura y reflexión. Por la picaresca que contiene o por sus gracias, sus lecciones indirectas, los personajes tan singulares y el mundo que refleja de tipo medieval. Sin embargo La Celestina es mucho más y los estudiosos aún duda de ella. Para empezar dicen que se aprecia una gran diferencia entre el primer acto y los siguientes, como si el autor hubiera cambiado y de hecho, en uno de los escritos introductorios se menciona que el escribiente se basó en lo que había encontrado "por ahí" ya compuesto. Las menciones a Rodrigo Cota y Juan de la Encina, hacen sospechar si no se trataba de una obra hecha en conjunto por los tres y así lo afirman algunos estudiosos, mientras los hay que hacen múltiple su elaboración, como si un grupo de escritores universitarios hubieran usado el texto para componer un entretenimiento privado. Tan es así como que la biografía del propio Fernando de Rojas fue complicada pues no se trata de un literato.

La historia que fue impresa en sucesivas ediciones incluyendo ampliación y modificaciones diversas a cada una de ellas, data de finales del siglo XV y en seguida contó con el favor del público y los impresores. Al mismo de Rojas se le ve como un posible impresor. Hubo ediciones y versiones muy diferentes, trasladando su texto a verso o ampliándolo con nuevos actos. Pero en todo caso y en vista de su temática amorosa, llegó a ser un libro desaconsejado hasta que en 1792 se prohibió su circulación. Los mismos personajes son la imagen de su tiempo, posibles judíos cristianizados, nobles decadentes, jóvenes fogosas y una buena dosis de picaresca aderezaron la historia de moralejas y lecciones que parece que a la Inquisición no gustó, por entenderlas, o por tocar la beatería, la corrupción y las nuevas costumbres, que en todos los tiempos los respectivos retrógrados se han opuesto al progreso de la sociedad.

¿Y cuán es el estilo? Según veíamos en las entradas anteriores, existía el Teatro y dentro de él diferentes géneros, así como en la Novela; sin embargo La Celestina que comenzó siendo una Comedia y luego pasó a Tragicomedia, que es una sucesión de acontecimientos descritos mediante diálogo entre los personajes, que hay quien cifra dividida en tres partes elaboradas por distinta pluma, no se encuadra en ningún estilo definido porque lo más cercano que sería la escena, no está pensada por "su autor". Así que los estudiosos han vuelto a buscarle por donde tipificarlo como novela dialogada o algo similar aunque haya quien se niegue a decir algo más que es un diálogo novelado.

A Fernando de Rojas (La Puebla de Montalbán, 1465​ - Talavera de la Reina,  1541) se le reconoce como autor de La Celestina, siendo ésta su única obra, pues se le reconoce más por su labor como jurista muy valorado en su tiempo. Su origen judío, criptojudío, explicaría la animadversión hacia ciertos aspectos de la obra. Fuera de esta fama, en las primeras ediciones de La Celestina no se citaba autor, por lo que cabe pensar que de Roja pudiera ser editor y parte de su pluma modificó un texto anónimo en su inicio, por que así fue o porque sus autores no quisieron reconocerlo. Finalmente el personaje superó al ser humano real y adquirió presencia en algunas novelas de nuestro siglo, como la serie policíaca de Luis García Jambrina que lo convierte en detective . Y con esto animarte a que, aunque te parezca extenso, lo leas, que algo se quedará, no olvidar que su primer título es "Tragicomedia de Calixto y Melibea".

@ 2022, by Santiago Navas Fernández

 

TEATRO DE GIL VICENTE, I.

A Gil Vicente se le considera el padre del teatro tanto portugués como español junto con Juan de la Encina, porque llegó a escribir en ambas lenguas por separado pero también mezcladas, las 44 obras que han llegado hasta nuestros días. Se discute su fecha de nacimiento aceptándose 1465 como más probable y tal vez en Lisboa, estudió en Salamanca, y se da por convenio que falleció en 1536 como dato más fiable, en Évora. Esta escasa concreción demuestra la falta de registros, sin embargo, sí sabemos que trabajó con tres reyes lusos sucesivos Juan II, Manuel I y Juan III dedicándoles y estrenando para ellos algunas de sus obras. Uno de sus hijos, Vasco Vicente, fruto de su segundo matrimonio, condensó hacia 1512 sus títulos agrupándolos en dos grandes temáticas: las de carácter profano y las de carácter religioso. En unas los autos sacramentales y misterios y en la otra las tragicomedias, las comedias y las farsas. Siempre reflejo de las inquietudes de su tiempo, generosas en imaginación y conocimiento, ridiculizando los tipos fijos y aportando una nueva forma de transmitir. 

De igual forma en el volumen de la colección presente, se dividen las obras por profanas y religiosas para presentarnos un retazo de ellas y así vamos a verlas desde este blog, en dos pases. Comenzamos con las profanas, veamos:

Tragicomedia de Don Duardos

Como es costumbre y razón, escrito en prosa y todo seguido aunque entre el inicio y el final transcurran años que se pierden en la trama. Don Duardos, noble y heredero real inglés se enamora de la princesa Flérida, pero en un lance de honor mata a su hermano, por lo que huye en busca de la gloria que le permita volver. Se oculta como agricultor en una familia humilde a su regreso y la princesa que los visita ocasionalmente, se enamora de él sin descubrir quién es si bien sabe que se trata de una persona de alcurnia oculta tras los ropajes y el duro trabajo del pueblo llano.

Auto de las gitanas

El día del Redentor de 1521 se representó este auto ante Juan III en Évora. En donde unas gitanas portuguesas usan su jerga y su arte para animar a la buenaventura que ellas leen en las manos de los paseantes, mientras otros cuatro gitanos en feria, intentan vender sus animales. Es un cuadro de costumbres y usos con los que pretende reflejar Gil la sociedad que vivió.

Comedia del viudo

Representada en 1514, se trata de la historia de un comerciante residente en Burgos que enviuda y queda con dos hijas a su cargo a las que intentar casar. Escrita en verso y de  un tirón, transcurre en la casa de la granja en sucesivos momentos. El hombre se lamenta de la pérdida de su compañera que era perfecta para él mientras su vecino se queja de su propia mujer. A eso que al lugar llega un hombre que dice querer ser pastor y aprender a cultivar la tierra, aunque sea a precio tasado, pero en realidad oculta su amor por las dos hermanas sin saber por cual decidirse. La historia acabará bien, tranquilas.

@ 2022, by Santiago Navas Fernández

CYRANO DE BERGERAC

Un hombre ingenioso, hábil espadachín y muy culto destaca por su nariz, pero también por su ingenio y gracia en la Borgoña de mediados del siglo XVII. Controvertido, admirado y temido, oculta una gran sensibilidad tras su fealdad, ante la imposibilidad de que las mujeres lo amen, se oculta tras un liderazgo social, todo el mundo le conoce y le teme o le admira. Frente a él su prima Roxana, la más hermosa y feliz de todas las jovencitas y con la que se ha relacionado desde niños, ya que es huérfano casi de nacimiento. Y sin embargo ahora que son jóvenes prometedores, se ve alejado de ella por culpa de su físico, pero la ama. Casualmente es su propia prima quien le impele a aconsejar a su posible "amante", al que le falta el ingenio y la gracia que a Cyrano le sobra, para que la ronde. Y él, pondrá en boca del joven amante las más bellas palabras de amor que su corazón le dicta hacia su prima, ocultando su amor; se convertirá en la sombra y protector del muchacho y ocultará sus sentimientos.

Cuando Ronstad escribió esta obra, conocía el poema de Quevedo "érase un hombre a una nariz pegado..." que dedicó a su rival coetáneo Luis de Góngora, aparecido en 1647, que nos vendrá a la memoria inmediatamente cuando leamos la presente obra. Así mismo hay otro poema de similar desarrollo compuesto en portugués unos años antes y que sin embargo tampoco se atribuye a este personaje, o mejor dicho, persona, pues Cyrano de Bergerac existió. Hercule-Savinien de Cyrano de Bergerac (París, 6/03/1619 - Sannois, 28/07/1655), fue un poeta, dramaturgo y pensador francés, coetáneo de Boileau y de Molière, considerado de carácter libertino por su actitud irrespetuosa hacia las instituciones religiosas y seculares. Precursor de la ciencia ficción. De nacimiento en una familia acomodada cuyo abuelo había comprado el sitio de Bergerc; se hizo militar y como tal participó entre otras en la batalla de Arrás (que aparece en la obra) donde recibió una herida, retirándose a la vida cultural, gran espadachín y pendenciero, se gastó su fortuna al tiempo que se relacionaba con personajes de la historia de Francia, algunos citados en la obra de Rostand. Autor de numerosas obras filosóficas, cómicas, poemas, teatro, etc.

La obra teatral se compone de cinco actos divididos por escenas, realizada en verso, con profusión de personajes y cambio de escenarios, todos ellos muy exquisitos. Se estrenó el 27 de diciembre de 1897 en el  Teatro de la Porte Saint-Martin de París y fue todo un éxito que elevó a la fama a Ronstand que hasta el momento no había tenido gran éxito como dramaturgo ni como poeta. En España se estrenó el 1 de febrero de 1899 en el Teatro Español de Madrid por María Guerrero y los Díaz de Mendoza. En sus diversas páginas se citará al personaje de Dumas, DÁrtagnan, a Moliere (sobre el que se harán diferentes referencias e incluso se citará una obra suya) y a El Quijote, en un alarde que intenta situar al personaje en un ambiente culto.

Edmond Eugène Alexis Rostand (Marsella, 01/04/1868 - París, 02/12/1918) fue un dramaturgo neorromántico francés, que se dedicó a la escritura con poco éxito hasta que compuso la obra "Cyrano de Bergerac", basada en la vida de un personajes del siglo XVII la cual le obsesionaba desde hacía años como llegaría a confesar. La composición de la Tragicomedia tuvo su historia, pues el principal actor quería cerrar su carrera con algo apoteósico y le exigió a Rostand un papel largo y complejo donde poder lucirse. Y así es, pues la obra en sí misma es compleja y muy diversa. En el mismo estreno Rostand pidió perdón al plantel de actores pues consideraba su obra disparatada, sin embargo, al acabar estuvo el público aplaudiendo durante 20 minutos. Su vida cambió desde entonces. Falleció por culpa de la pandemia de gripe de 1918.

@ 2022, by Santiago Navas Fernández

 

IFIGENIA DE TÁURIDE

 

Eurípides fue un dramaturgo griego con casi un centenar de obras atribuidas, anterior a la era de Cristo. Se supone que nació en Salamina entre los años 484 a 480 y falleció en Pella en el 406, todos a.C., donde se había retirado de la vida pública. Estudioso amigo de Sócrates y que formó tándem con Esquilo y Sófocles, dedica sus obras a humanizar a los dioses en sus tramas, poniéndolos en situaciones reales que casi siempre resuelve con apariciones fantásticas. Obras suyas son: Alcestis, Electra, Andrómaca, Las fenicias, Los Heráclides, Las troyanas, Medea, Orestes, Cíclope, Reso, Ifigenia de -Aulide, etc.

Ifigenia es la hija de Armagedón y Clitemnestra. Cuando era niña fue secuestrada por su propio padre para ofrecerla en sacrificio a la diosa de la guerra y que ésta le ayudase en su campaña contra Troya, fue la propia Diosa la que la salvó tras cambiarla por una corza, posteriormente rescatada es llevada al templo de Artemisa donde ejercería como sacerdotisa inmolando a los griegos que por error caían por esas tierras de Táuride, pueblo enemigo de los helenos. La niña creció y en el recuerdo lejano estaba su hermana Electra y su hermano Orestes, los cuales asesinaron a su madre con toda justicia a razón de la propia Ifigenia. El caso es que Orestes llega a estas tierras acompañado por Pílades, su cuñado (si recordáis, Electra fue casada con un agricultor anciano que la respetó y la cuidó hasta que tras el asesinato de la citada madre y del rey Egisto con el que se había amancebado, fue liberada de dicho matrimonio por los Dioscuros y matrimoniada con Pílades), bueno, pues allí estaba la pareja de amigos y como el territorio era enemigo, fueron apresados y llevados al templo para ser ajusticiados e inmolados por la sacerdotisa, Ifigenia, la cual desconoce el aspecto de Orestes aunque se entrevista con todos los presos griegos buscando pistas e historias de su ciudad natal. Al final hablando se reconocen por ciertos detalles y entonces comienzan a pensar una forma de escapar de las garras del templo y del rey Toas que quiere asistir a la inmolación. De paso, se llevarán la estatua del Templo. La aventura se presenta complicada pero cuentan con la aparición estelar de algún hecho fantástico, costumbre de Eurípides en sus obras, que ayudará a una inesperada solución.

Al igual que en otras obras, se inicia la obra con un argumento que nos explica qué vamos a ver, luego un prólogo nos pone en situación, en este caso a cargo de la propia Ifigenia. Y dentro de la trama colaboran los coros, el mensajero que nos relata todo aquello que ocurre pero no a la vista del público y algún otro personaje, terrenal o divino, que pone las notas moralizantes propias de las costumbres en la Grecia de a.C. según la corriente ideológica del autor.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

ELECTRA (de Eurípides)

Eurípides fue un dramaturgo griego con casi un centenar de obras atribuidas, anterior a la era de Cristo. Se supone que nació en Salamina entre los años 484 a 480 y falleció en Pella en el 406, todos a.C., donde se había retirado de la vida pública. Estudioso amigo de Sócrates y que formó tándem con Esquilo y Sófocles, dedica sus obras a humanizar a los dioses en sus tramas, poniéndolos en situaciones reales que casi siempre resuelve con apariciones fantásticas. Obras suyas son: Alcestis, Electra, Andrómaca, Las fenicias, Los Heráclides, Las troyanas, Medea, Orestes, Cíclope, Reso, Ifigenia de -Aulide, etc.

Electra es la hija de Agamenón y Clitemnestra, la cual asesina a su marido para largarse con el rey Egisto. Aunque todo tiene su explicación (como veremos), pero Electra, obligada a casarse con un viejo agricultor que honradamente la respeta para que se mantenga virgen pues la ha aceptado para protegerla, y conocedora del crimen cometido por su madre, desea vengarse asesinándola. Mientras que Orestes, hermano de Electra, busca la forma de vengarse del rey Egisto pero ni piensa en hacerlo de su madre, y busca a su hermana de la que fue separado siendo ésta muy pequeña. La encontrará y le reconocerá gracias a la asistencia del anciano que fue mentor del padre asesinado, Agamenón, prodigioso rey. Ya veis que complicada es la vida de los dioses griegos, pero no acaba ahí la cosa, porque una vez reencontrados los dos hermanos, Electra influye y planea para asesinar a la madre, como digo, y Orestes al padre, acompañado del fiel amigo Pílades, cuya actuación es muda. Ojo al relato de la madre y su rebeldía hacia los maridos que tienen amantes y "no pasa nada" mientras que cuando los tiene la esposa "es un crimen imperdonable" ¡ojo porque la obra data de antes de Cristo!

En fin, que esta tragedia es previa a la obra de Ifigenia de Táuride, que leeremos a continuación. Queda dicho como anticipo y para situarnos, aunque la siguiente obra desarrolla la historia posterior. En todas las composiciones de Eurípides asiste un "mensajero" que ayuda a comprender lo que va ocurriendo, igual que hay al principio un breve "argumento" y un personaje que hace la introducción, en Electra le corresponde al viejo agricultor con el que la casan. Luego los coros y otros intervinientes van poniendo la nota moralizadora.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

ALCESTES

Eurípides fue un dramaturgo griego con casi un centenar de obras atribuidas, anterior a la era de Cristo. Se supone que nació en Salamina entre los años 484 a 480 y falleció en Pella en el 406, todos a.C., donde se había retirado de la vida pública. Estudioso amigo de Sócrates y que formó tándem con Esquilo y Sófocles, dedica sus obras a humanizar a los dioses en sus tramas, poniéndolos en situaciones reales que casi siempre resuelve con apariciones fantásticas. Obras suyas son: Alcestis, Electra, Andrómaca, Las fenicias, Los Heráclides, Las troyanas, Medea, Orestes, Cíclope, Reso, Ifigenia de -Aulide, etc.

La trama comienza cuando Apolo, el dios, agradece al rey Admeto que lo haya acogido como siervo en su casa, de forma que ha podido cumplir la pena a que fue condenado por Zeus consistente en bajar a la tierra y hacerse hombre. A cambio le ofrece prolongar la vida del rey más allá de la fecha de su muerte prevista para ya, pero las "Moiras" (la Parca para que nos entendamos) ponen como condición que debe morir alguien en su lugar. En seguida se acuerdan del padre de Admeto, o sea, que creen que el padre de Admeto siendo un anciano con la muerte a la vista sería el ideal, pero mira tú por donde el señor dice que nones, que con lo bien que vive a qué morirse. Y claro, la tragedia está servida, porque es la esposa de Admeto, la reina Alcestes, la que se ofrecerá con tan solo una condición, que el rey nunca se case para no darle una madrastra a sus hijos (aquí las reflexiones que le hace la monarca acerca de tal circunstancia son curiosas) y que los cuide porque necesitan de su padre. Tragedia servida. Menos mal que aparecerá el rey Heracles (Hércules equiparable en otras mitologías) que con su fuerza convencerá a Tánatos, rey de los muertos, para que libere a la esposa.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

MUERTE ACCIDENTAL DE UN ANARQUISTA.

Obra de Darío Fo escrita en 1970 y estrenada el 5 de diciembre por el Grupo Teatral La Comuna, con un gran éxito, en los tres primeros años más de un millón de personas en Italia fueron a verla. En España se estrenó en la Sala Cadarso en 1978 bajo dirección de Jesús Sastre. Se divide en dos Actos y el primero en dos cuadros. Hubo dos finales, el que presenta este libro es la primera y va precedido de un prólogo del propio Darío y una introducción crítica.

Darío Fo (Sangiano, 1926 - Milán, 2016) fue un actor y escritor de teatro italiano que bebió en las fuentes de los clásicos, ganador del Premio Nobel de Literatura en 1997. Autor con gran conciencia política y social, dedicó sus esfuerzos a denunciar la manipulación política, contra la Mafia, el Vaticano y el capitalismo. Sus principales obras son "Muerte accidental de un anarquista" y "Así no paga nadie" entre otras muchas más, además de tres novelas y varios guiones de cine y televisión.

Irónica, satírica, así es el tono de la obra que usa ese medio para impulsar el mensaje de denuncia sobre la sociedad que nos rodea. Aunque se escribió en los años 70 del siglo pasado es imprescindible para conocer lo que ahora sucede; tiempos convulsos políticos de entonces tienen unas claras consecuencias posteriores, el uso del Estado como herramienta policial, la prensa, la democracia, etc. La obra evoluciona a partir del expediente de muerte accidental de un anarquista en las oficinas policiales de Milán, acusado de poner las bombas que provocaron un atentado mortal, que cayó misteriosamente desde una ventana al patio interior tras varios días de interrogatorio y que la investigación posterior determinó que se debía a un brote que sufrió el anarquista, con lo cual el caso se archivó. En este caso, Fo se inventa un personaje para que lleve el peso de la trama, entre diálogos alocados, situaciones imposibles y cierta radicalización de los personajes serios, va exponiendo el pensamiento racional, revestido de loco, pero como dice el refrán "los locos, los niños y los borrachos, siempre dicen la verdad". Curiosamente el autor atribuye estos hechos a un suceso ocurrido en 1921 en EEUU, pero es en el prólogo de la edición publicada en 1974.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

ELECTRA.

Con el número 50 llega un EXTRA con dos obras clásicas en versión libre adaptada por Pemán. El librito en principio se editó sólo con el título de "Antígena" pero se le añadió la que le acompaña según vemos en la foto y que vamos a comentar en este caso "Electra"; además incluye una página con la foto del autor y una reseña biográfica en otra página. Tragicomedia adaptada y versionara en dos Actos, el segundo divididos en dos Cuadros, estrenada en el Teatro María Guerrero el 14 de diciembre de 1949, dirigida por Luis Escobar y Huberto Pérez de la Ossa.

José María Pemán y Pemartín (Cádiz, 1897 - 1981) fue un escritor, poeta (compuso una letra para el himno de España), periodista, novelista, dramaturgo, etc. siendo en el teatro donde encontró un lugar desde el que enseñarnos a la posteridad los modos y costumbres de esa época, también hechos históricos desde su particular punto de vista. De profunda educación católica, miembro de una familia gaditana acomodada y padre de diputado conservador, se consideraba monárquico y de derechas, militando en diferentes formaciones. Durante su período de residencia en Madrid, comenzó a trabajar con la Falange, Acción Católica, etc. alejado de los miembros de la generación del 27, durante la República su cada vez mayor actividad política se mezcló con su creciente carrera como autor teatral de rotundo éxito, fundó la revista "Ellas" tras la aprobación del voto femenino con la que pretendía atraer el voto de la mujer hacia los partidos de la derecha. Tras el golpe militar de 1936 intensifica aún más su compromiso político, es la musa, el ideólogo, el poeta del nuevo régimen, se le atribuye la creación de términos como "movimiento nacional", "cruzada", "no somos ni de derechas ni de izquierdas", etc. en una tarea para difundir el mensaje que quería lanzar el franquismo, formó un grupo de intelectuales presidido por Eugenio D'órs y con compañeros como Agustín de Foxá, Manuel Machado, Dionisio Ridruejo, etc. dispuestos a crear contenidos ideológicos y acudir allá donde fuera preciso su arte. Lo que a la larga le valdría ser el cuarto de los 50 consejeros juramentados cuando Franco en 1937 creó la FET de las JONS. Dejó una gran producción artística en obras teatrales, novelas, himnos, cine, ensayo... y una gran polémica para la posteridad, así como nueve hijos e hijas. Para profundizar en su biografía, os dejo el enlace a la Real Academia de la Historia.

Se trata de una versión muy libre y actualizada a su forma de entender de la original tragedia clásica griega. Allá cada cual con su aguante para completar la representación sin dormirse o sin levantarse y marchar a casa.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández