Y VA DE CUENTO...

 

De la mano de Jacinto Benavente nos llega esta versión de "El flautista de Hamelin" repleta de fantasía y aunque digan que es para niños, la veo más para adultos, pues ahonda en los valores de la honestidad que trataba el original cuando los mayores no quieren dar lo prometido al músico y éste se venga terriblemente por el desprecio sufrido, la traición y el engaño. Cruel como tantos de los cuentos que con el tiempo se han ido suavizando y traduciendo a un lenguaje más suave, con personajes más fantásticos pero menos violentos, para que el público infantil viva una fantasía y no una noche de terror. ¿Qué fue de los niños que se llevó el flautista? ¿dónde fueron a parar? ¿sería imposible su regreso? todas estas dudas que quizá más de uno se planteó, las intenta dar respuesta en esta obra.

Estrenada en Madrid el 22 de diciembre de 1919, en el Teatro de la Princesa por compañía de María Guerrero, se publicó en La Farsa con el número 43 el 30 de junio d 1926, incluyendo caricaturas de los escenarios y personajes. Cuatro Actos precedidos por un prólogo y acompañados por una Apoteosis a modo de epílogo, y bastantes escenas en las cuales cambia hasta el escenario como si se tratara de una película, cargados de fantasía desatada, en una locura inconcebible, que se lee muy rápido.

Jacinto Benavente Martínez (Madrid, 1866 - 1954) es uno de los pocos autores españoles que tienen un premio Nobel, otorgado en 1922, lo cual ya aporta a su currículum un esplendor mayor. Dramaturgo, cineasta... dejó un gran número de obras en las que, algunas veces según dicen sus críticos, no llega a ahondar tanto como podría haberlo hecho y la denuncia de aspectos como la manipulación de las informaciones, el papel de la mujer, la modernidad o la situación política, no llegan a cuajar suficientemente. De hecho, sus variaciones entre las diferentes opciones que conoció a lo largo de su vida, le hacen estar siempre al lado del que gobierna, desde Primo de Rivera durante la Dictadura blanda, la República durante la Guerra Civil o loas al franquismo tras su victoria final, y sin embargo, durante muchos años posteriores al 39, tuvo que representar sus obras citándolas no con su propio nombre sino por "el autor de la Malquerida". Sin embargo su fama es total, debida a la popularidad de sus obras, pero también a su cantidad: teatro, versos, novelas, críticas, adaptaciones, guiones...

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HERNANI

 

En el número 42 de la colección La Farsa nos encontramos esta obra inspirada en la homónima del francés Víctor Hugo (Besanzón, 1802 - París, 1885), uno de los poetas, dramaturgo y novelista más importantes de Francia que se encuadró dentro del movimiento del romanticismo, fue un político duro cuyos discursos públicos ya recogen temas como la educación, la pena de muerte, los derechos de las mujeres, Europa unida, etc. Entre sus numerosas creaciones hay títulos como "Nuestra Señora de París", "Los Miserables", "Cromwell", etc. y su influencia posterior es inmensa, como ocurre en este caso, que sirvió de base a la ópera de Verdi titulada "Ernani".

En el original se trata de una obra polémica que ya en su estreno en París en 1850 produjo enfrentamiento entre los clasicistas y los seguidores románticos de Víctor Hugo, la versión en el estreno en España, fue ampliamente modificada quitándole toda crítica a la religión y suavizando la tiranía de Carlos I. Nos encontramos en 1519 en el alto Aragón, Hernani es un noble reconvertido en bandolero por el enfrentamiento familiar con el monarca, ama a doña Sol, que va a ser desposada por un anciano noble aragonés, pero además es pretendida como amante por Carlos I. Tal enfrentamiento entre el poder, la tiranía y el liberalismo desembocó en un enfrentamiento real en dicho estreno que se conoció como "la batalla de Hernani". La grandeza de la obra además, proviene de que fue un referente social y político y abrió la escuela del romanticismo que transcendería a toda Europa.

Tenemos aquí la versión realizada por Antonio y Manuel Machado junto con Francisco Villaespesa, realizada en verso, que fue estrenada en el Teatro Español el 1 de enero de 1925, siendo esta publicación del 23 de junio de 1928 acompañada con ilustraciones de los escenarios, el autor y algunos personajes. Dividida en cinco actos y éstos a su vez en diversas escenas. No resulta larga, si no al contrario.

Francisco Villaespesa Martín (Laujar de Andarax, 1877 - Madrid, 1936) fue un poeta, escritor y dramaturgo neorromántico que narró los hechos históricos de su tierra con una gran visión, prolífico creador de novelas, teatro, lírica, etc. donde trata los temas históricos. Adaliz del modernismo se relacionó con Juan Ramón Jiménez, Rubén Darío, Amado Nervo, Ramiro de Maeztu, Valle-Inclán, Benavente, etc. es padre de la actriz Lola Villaespesa. Entre sus obras teatrales destacan "La leona de Castilla", "Doña María de Padilla", "El alcázar de las perlas", "Judith, tragedia bíblica en tres actos", etc.

Antonio Machado Ruiz (Sevilla, 1875 - Colliure, Francia, 1939), "hablaba en verso y vivía en poesía" dijo Gerardo Diego, el más joven de la generación del 98, alumno de la Institución Libre de Enseñanza, buscó mediante su poesía dar voz y denunciar las situaciones más injustas del pueblo, con una leve influencia romántica su compromiso social y político le llevó al exilio en Francia donde moriría pocos días antes de que lo hiciera su madre, estando los dos enterrados juntos en la que fue una tumba prestada. Manuel Machado Ruiz, hermano mayor de Antonio (Sevilla, 1874 - Madrid, 1947) y ambos hermanos del pintor José Machado, fue un poeta y dramaturgo modernista, trabajó y compuso con su hermano numerosas obras teatrales con el que compartió vida en Madrid en la Institución Libre de Enseñanza y posteriormente en París, sin embargo, sus vidas siguieron caminos distintos que se comienzan a separar a partir de 1938; años antes había entrado en el Cuerpo de Archiveros y Bibliotecarios, jubilándose en Madrid como director de la Hemeroteca; años que vivió en la capital desarrollando su actividad creativa y vida personal.

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CRISTOBALÓN

Cristobalón es un ser puro, fuerte y robusto de nacimiento, sensible a la vez que tímido, que vive enamorado de Sabela, pero sin atreverse a dar el paso para intentar conquistarla, esperando el momento, escaso de habla como lo es siempre. Molinero trabajador y sabio pero que tiene problemas para explicarse. La ubicación es una aldea cualquiera de Galicia, en el período que va a ser la romería y las dos poblaciones más cercanas se encuentren ante la Virgen, lo cual siempre implica rivalidad entre la hombría de ambas que suelen acabar en peleas. Si los de la aldea cuentan con Cristobalón están seguros de salir adelante, sin él, lo dudan, pero él está más a su amor huidizo del cual se entera que se ha comprometido con uno de la otra aldea, en principio su reacción será violenta pero Sabela sabrá tratarle con todo el cariño y calmarle. Esta obra nos presenta y cuestiona sobre varios problemas: las tradiciones, las meigas y brujas en particular en Galicia con sus leyendas y miedos, la necesidad de buscar una nueva vida pues varios personajes sacan a colación la emigración a América en busca de las oportunidades que España no les da, el amor y el honor romántico, etc. 

Segundo título incluido en el número 41 de la colección La Farsa. Fue estrenada en el Teatro Nacional de La Habana el 26 de abril de 1920 y ya en España, el 15 de octubre ese año en el Teatro Lara de Madrid. La publicación se produjo el 16 de junio de 1928. Está conceptuada como una Tragedia rural realizada en dos actos divididos en varios cuadros con dos escenarios distintos pero muy parecidos. Se ilustra con caricaturas de momentos de la representación.

Manuel Linares Rivas (Santiago de Compostela, 1866 - Madrid, 1938), miembro de la Real Academia Española y de la de Jurisprudencia, abogado y ex Ministro, senador y diputado electo, dramaturgo y prolífico autor teatral con medio centenar casi de obras originales, amén de adaptaciones y novelas propias. La temática siempre está apegada a la gente, al momento en que vive, denunciando situaciones o como reflejo de la debilidad de ciertos eslabones de la sociedad pero con una deriva cada vez mayor hacia el conservadurimo social, sacrificando el dramatismo por el efecto moralista y perdiendo así fuerza. En este caso se va a centrar, como tantas veces, en personajes de su tierra gallega, incluyendo modismos del habla.

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NO HAY DIFICULTAD

 

En el número 41 de la colección La Farsa encontramos dos obras en la misma publicación. La primera, que es de la que hablamos aquí, se trata de un "entremés" o "paso de comedia" como se la denomina en portada, realizado en un solo acto y dos escenas, con tres personajes, la madre y la hija y un primo hermano de ésta que viene a contarla que la tía Antonia ha decidido dejarles la herencia, pero para no partir casa ni tierras, todo se lo dará a ambos... ¡si se casan! Por cierto, trama aparte, ¡qué sabia la madre que es la que pone la última frase! dándonos el desenlace del asunto. Fue estrenada en el Teatro Lara de Madrid el 31 de mayo de 1928. Dedicatoria al actor masculino de dicha representación que Manuel Linares Rivas incluye en la presentación. Se publicó en este librito el 16 de junio de 1928 incluyendo caricaturas relativas al pequeño entremés.

Manuel Linares Rivas (Santiago de Compostela, 1866 - Madrid, 1938), miembro de la Real Academia Española y de la de Jurisprudencia, abogado y ex Ministro, senador y diputado electo, dramaturgo y prolífico autor teatral con medio centenar casi de obras originales, amén de adaptaciones y novelas propias. La temática siempre está apegada a la gente, al momento en que vive, denunciando situaciones o como reflejo de la debilidad de ciertos eslabones de la sociedad pero con una deriva cada vez mayor hacia el conservadurimo social, sacrificando el dramatismo por el efecto moralista y perdiendo así fuerza. En este caso se va a centrar, como tantas veces, en personajes de su tierra gallega, incluyendo modismos del habla.

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EL HORROROSO CRIMEN DE PEÑARANDA DEL CAMPO

 

Este es el número 12 de la colección La Farsa, edición de 1979/80, recuperada por José Monleón para la colección editada sobre teatro y que, en este caso como en el anterior número, se hace cargo "Teatro Libre", bajo la dirección de Alonso de Santos, del cual hablamos en el 11 con una obra suya. Aporta este número numerosas novedades. Por un lado se trata de una obra teatral de Pío Baraja, pocas llegó a componer, por lo que el editor no se limita a reproducirla sino que acompaña de varios artículos sobre el teatro y el por qué el autor no fue más prolífico en este campo. Entre ellos destaca el análisis que hace el propio director de la colección La Farsa.

Recuerda esta corta obra a películas como "El Verdugo" y "El crimen de Cuenca" en el sentido de ahondar en temas populares y presentar a personajes vulgares hablando en el tono que seguramente lo harían si fueran reales. Es una constante en la obra de Baroja retratar la realidad y buscar a los más bajos de la sociedad para sacarlos a la luz y exponerlos al conocimiento general. Aquí, las discusiones que hacen los vecinos de Peñaranda sobre la acusación de asesinato y antropofagia de uno de sus vecinos, las intervenciones de los que discuten, nos sitúan en cualquier tasca, casino o plaza, mientras que el ciego canta sus aleluyas contando la historia del caso, precisamente en el día de mercado. Y luego pasamos a la capilla donde el reo aguarda el cumplimiento de la pena, donde se establece un diálogo entre los señores que allí están, juez, comisario, cura, médico o delegados de la Administración y algún asistente autorizado. Incluso el Verdugo, un pobre muerto de hambre que para obtener unas monedas acepta el trabajo y como a su émulo de la película de Berlanga, se le hace imposible pensar en aplicar el garrote vil. Pero habrá una sorpresa final y quien más quien menos tendrá la reacción emocional que se le espera. Cuatro cuadros de corrido son necesarios.

Pío Baroja y Nessi (San Sebastián, 1872 - Madrid, 1956) fue un novelista miembro de la generación del 98, que realizó alguna incursión en el teatro, médico de profesión la abandonó para dedicarse a la Literatura, pasando por empresario en el negocio familiar de Viena Capellanes, tahona del centro de Madird que fundó su tía materna Juana; de ideas anarquistas y anticlerical, su posicionamiento fue girando hasta oponerse a la República y defender la dictadura; integrante de una familia con recursos y estudios, él mismo los recibió así como sus hermanos y es la parte más visible de un apellido que dio varios escritores a distinto nivel; entre sus inquietudes, una gran cantidad de novelas, algún ensayo y obra de teatro, más una opereta a la que puso música Sorozábal en 1933 a partir de un libreto adaptación de su composición teatral, así como otras colaboraciones periodísticas. De su intensa vida podemos leer un interesante artículo en Real Academia de la Historia.

La presente edición es reflejo del estreno de la obra el 10 de enero de 1979, cincuenta años después de que la escribiera el autor, en la Sala Cadarso del Centro Cultural La Corrala de Madrid, según versión del grupo "Teatro Libre", como ya he dicho. Su mayor característica es incluir una presentación de la obra a cargo del autor y a la postre, hacer hablar a los personajes sobre lo que han visto. El tomo se acompaña de varios y extensos artículos críticos y de la habitual "La quincena teatral" donde nos comenta la cartelera teatral y alguna obra e incidencias en concreto de Madrid, junto con los habituales rankings de público y recaudación, añade las obras en cartel en Barcelona, Valencia y Sevilla, en todos los casos, de la primera quincena de mayo de 1980.

Con esta publicación, se concluye la colección de La Farsa edición de 1979, si bien se anuncia otro número "Antaviana" de Pere Calders que no aparece por ningún lado, en esta colección me refiero, porque la obra tiene su publicación en otras colecciones y editoriales.

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¡VIVA EL DUQUE NUESTRO DUEÑO!

 

El número 11 de la colección La Farsa segunda edición, nos trae una obra de Alonso de los Santos ambientada en el siglo XVII, o así, porque cita al rey "hechizado". Se trata de una comedia escrita en el XX pero que se ambienta en una compañía de teatro de esa época que llega a los dominios del Duque de Simancas ante el que va a representar una obra donde se cuenta la grandeza de su antepasado contra "los moros" en la defensa de su castillo. La obra que van a representar, en verso como las de la época, la conocemos entera aunque en desorden a través de los ensayos a los que asistimos, pero la verdadera historia es el drama de estos actores más hechos al hambre y a la desgracia que a comer todos los días, sin un futuro cierto, sin sueños, sin proyectos, buscándose la vida e incluso, a veces, haciéndosela imposible entre ellos mismos.

José Luis Alonso de Santos (Valladolid, 1942) es un actor, guionista y dramaturgo, colaborador del "Teatro Libre" de Madrid, autor de decenas de obras teatrales, algunas llevadas al cine como "La estanquera de Vallecas", "Bajarse al moro" o "Salvaje"; receptor de numerosos reconocimientos por su carrera, traductor y adaptador de obras ajenas. La presente se estrenó en el Teatro Magallanes de Madrid el 15 de diciembre de 1975, consta de un solo acto. Es interesante la autobiografía del autor y el artículo de crítica teatral firmado por Fernando Lázaro Carreter. Al final, "La quincena literaria" incluye la cartelera de Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla en torno a abril de 1980 que es cuando se publicó, acompañando los acostumbrados rankings de recaudación y espectadores y alguna que otra crítica literaria a las obras en cartel.

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LA GALLINA CIEGA

 

El número 10 nos trae un tipo de teatro difícil de reconocer y ver porque intenta explicar los sentimientos y las reacciones humanas ocultándolas entre un movimiento escénico diferente, donde los actores pueden ser cualquier cosa. La autora, Roma Mahieu, nació en Polonia en 1937 y fue adoptada en Santa Fe, Argentina, 10 años después, donde estudió y se formó ampliamente, en 1977 recibió el reconocimiento de crítica y público a través de su obra "Juegos a la hora de la siesta" y sin embargo esta obra produjo su exilio a España ante la prohibición de representar sus montajes, pasando a dirigir en Madrid el Festival Hispanoamericano de Teatro; su carrera artística incluye numerosos premios y trabajos por diferentes países con obras teatrales, poesía, narrativa, cuento infantiles, guiones de televisión y cine, etc.

Esta obra fue estrenada en el Teatro Principal de Valencia el 6 de abril de 1980 dentro del I Encuentro Teatral Iberoamericano, bajo la dirección del primer actor Oscar Ferrigno, por el grupo "Teatro de los Buenos Aires". Consta de un solo acto con un escenario imaginario, mientras los actores van modificando su personalidad en torno al juego de la gallina ciega como representación de lo que todos somos en la vida, seres que a veces no vemos o no queremos ver lo que sucede alrededor, mientras el resto humilla o alaba sin orden ni lógica. Como dice la autora en la introducción: "...los mismos hombre que un día claman por la libertad, al día siguiente claman por el orden y al tercero acaban generando un dictador...". 

En el presente librito, figura al final "La quincena teatral" que nos trae, como es costumbre, las novedades teatrales de la primera quincena de abril de 1980 en Madrid, Barcelona, Valencia y Sevilla, con especial detalle a los rankings habituales y comentarios en el caso de Madrid.

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PETRA REGALADA

 

Con el número 9 de la segunda temporada de la colección La Farsa, este título nos trae una obra conforme a la interpretación de los tiempos que corrían, final de la década de los 70 del siglo XX, un momento difícil conde la democracia y los movimientos sociales y políticos tenía una fuerza abrumadora contra lo "establecido", lo "que siempre había sido así" y quizá era preferible "no moverlo". Algunas veces ciertos tópicos se crean artificialmente para conseguir otros fines muy distintos, la publicidad y/o las consignas, a fin de cuentas es lo que son los temas publicitarios, intentan asentar pensamientos, costumbres o conceptos morales mediante frases hechas y/o imágenes que se repiten desde numerosos púlpitos, los tradicionales de las iglesias o los nuevos de los medios de comunicación masivos.

Petra Regalada es una figura incuestionable en el orden de la ciudad o pueblo donde vive. Siempre ha existido una Petra Regalada que ha mantenido el monasterio donde se reúne la Hermandad y cuando envejece pasa a ser la sirvienta de la nueva joven que llega a sustituirla. Tiene asegurada una vida cómoda y "regalada" a cambio de sus favores que también son "regalados" a los integrantes de dicha hermandad. A este selecto club sólo tienen acceso aquellos personajes que pueden pinchar y cortar en la vida del lugar, a las órdenes del Hermano Mayor que es el rico del lugar. Pero los tiempos cambian, la actual Petra Regalada guarda muchos secretos, pero uno en especial que es la colcha que tejió con su inicial a la espera de que un día tejiera otra inicial y la colcha se convirtiera en el cobijo cálido del amor, pero la vida decidió por ella cómo iba a ser su existencia sin darle opción a elegir, no se rebela porque no sabe, pero no está conforme, conoce demasiados secretos de los hermanos, su viejitos, y aún sueña con tener un amor único y verdadero, casarse y tener hijos.

Esta obra se estrenó en el Teatro Príncipe de Madrid el 15 de febrero de 1980, consta de dos actos, bajo la dirección de Manuel Canseco y con actores como Julia Gutiérrez Caba, Ismael Merlo, Juan Diego, Aurora Redondo, etc. Es obra de Antonio Gala ¿qué pasa cuando consultas su biografía y hay disparidad de unas fuente a otras en cuanto a la fecha y lugar de su nacimiento?, parece que el más común dice que nació en Brazatortas, Ciudad Real, un 2 de octubre de 1930 o de 1936, y que a los 9 años pasó a Córdoba, donde otros dan como que nació. En cualquier caso se trata de un dramaturgo, articulista, narrador, guionista, poeta, etc. de innegable fama y con una proyección artística de enorme calado, que se hizo con numerosos premios a lo largo de su carrera profesional, muy claro en su lenguaje, opiniones e ideas que se colocó en varios frentes socio políticos sin seguir una siglas en concreto. Muy respetado y admirado por el público. Varias de sus novelas fueron llevadas al cine, donde refleja la crudeza de sus personajes, de las mujeres que sufren por serlo y los hombres que viven en su mundo alrededor.

Por último, al final se añade "La quincena teatral" que junto a lo que ya es habitual que nos aporte los rankings de espectadores, recaudación e importes con detalle, nos comenta la cartelera a al fecha en Madrid, Barcelona y Valencia entrando en algunos casos en comentarios más profundos. En este número añade los teatros de Sevilla que volveremos a ver en los siguientes tomos editados.

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RETRATO DE DAMA CON PERRITO

 

En el nümero 8 de La Farsa segunda etapa, esta obra de Luis Riaza en la que nos presenta una alta sociedad fantasmal que vive de sus recuerdos, abstraída en su mundo cerrado e inaccesible, que se aísla del resto y organiza sus propias fiestas sobre fantasías e ilusiones. Los personajes cargados de frustraciones y deseos silenciados, viven fuera de la realidad y realizan sus más bajas pasiones ocultándolas a sí mismos. Desde el mayordomo, la fregona, la gran dama o el mantenido, cuatro personajes reales y cientos de muñecos girando alrededor de ellos, todos envueltos en su locura. Desde el más humilde que se conforma con mirar por un ventanuco lo que otras personas viven. O el que siendo menos humilde pero sometido también a los caprichos ajenos, humilla a quien aún está más bajo, hasta que se rebela y aspira a ocupar ese otro escalafón al que sirve, aunque sólo sea de fantasía. La decrépita dama arrepentida, defraudada, sola que ve llegar la muerte y aún no ha sido más que imaginariamente feliz, rebusca en su pasado pasadas glorias. Y el perrito fiel que a sus faldas la acompaña generoso y sometido a realizar sus deseos, que se rebela, que anhela la revolución que le permita ser él mismo, pero que no encuentra eco entre sus sometidos semejantes que, a su vez, se conforman con su escasa vida propia.

Luis Riaza Garnacho (Madrid, 1925 - 2017) fue un dramaturgo español destacado en la posvanguardia teatral europea, comenzó su carrera a partir de los años 70 y produjo infinidad de obras, incluso bastantes de ellas sin publicar, cultivó también la poesía y el relato. Esta que traemos aquí es una de las más celebradas. Fue estrenada en el Teatro Bellas Artes de Madrid el 9 de marzo de 1979, dirigida por Miguel Narros, recibió el premio "El espectador y la crítica" a la mejor obra estrenada ese año. Con solo cuatro personajes, aunque de personalidades complejas, desarrolla la obra en dos actos, aunque bien podría representarse del tirón, destaca por su riqueza y variedad escénica, sencilla pero repleta de detalles que complementan la nómina de personajes variados. Cuenta con una introducción escrita por el propio autor.

"La quincena teatral" que acompaña el tomo al final detalla la cartelera de Madrid al 1 de marzo de 1980 y comenta las variaciones de cartel; también presenta los habituales rankings de recaudación y público por obra. Y tras una crónica de la quincena, incluye la cartelera de Valencia, esta vez no aparece la de Barcelona como aparecía en números anteriores.

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LA VENGANZA DE LA PETRA

 

"¡O donde las dan las toman!", en el número 7 de la colección de La Farsa segunda etapa, esta es la obra que se publicó en 1980. Estrenada por primera vez el 13 de abril de 1917 en el Teatro Cómico de Madrid, marcó un hito en la historia de las representaciones teatrales y sigue siendo un éxito cada vez que se repone. Escrita por Carlos Arniches (Alicante, 1866 - Madrid, 1943), creador del estilo que denominó la tragedia grotesca donde aspiraba a influir en un regeneracionismo de la sociedad; manejó el modismo madrileño de manera excepcional, colaboró como libretista en varias zarzuelas populares, escribió poemas y artículos críticos, pero su fama le vino por la cantidad de obras teatrales generadas por su ingenio desde 1888. A veces con cierto mensaje como en los casos "Es mi hombre" o "La señorita de Trevélez", obras satíricas; pero siempre usando el humor sencillo como hilo conductor y que le daría tanto cartel. Algunas de ellas llevadas al cine, la primera, muda,  en 1925 versionando "Don Quintín el amargao".

La Petra es una muchacha que se ha casado con un "pollo" de cierto encanto, más animado a salir con amigos y disfrutar del Madrid nocturno, que a vivir tranquilo con su reciéntenme desposada. Y ella decide abandonarlo. Pero la cosa se complica porque los padres de él, que le tienen como la quinta maravilla, lo defienden y comprenden sus correrías nocturnas, mientras que los padres de la Petra defienden a su hija, no hay entendimiento posible, pero el padre inventará un plan para que ella recupere a su marido. Todo esto aderezado con mucho humor, madridismo castizo y tópicos para pasar un buen rato con los juegos de palabras y las situaciones que se van complicando.

El libro se corresponde con la reposición dirigida por José Osuna para la que Mingote realizó los decorados, muestra de ello el cartel que figura en la portada. Se reestrenó el 15 de mayo de 1979 en el Teatro de la Comedia, divida en dos actos y varias escenas en cada uno aunque sólo hay dos escenarios, uno por acto. Como siempre al final se añade "La quincena cultural" que trae la cartelera al 16 de febrero de 1980 en Madrid, junto con las novedades y los rankings de público y recaudación, también la cartelera quincenal de Barcelona y Valencia.

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AHOLA NO ES DE LEIL

 

En el número 6 encontramos una obra que según la entrevista informal a su autor, reproducida dentro de la publicación, es dramática aunque cause humor, al mismo tiempo que provoca la risa, dice Alfonso Sastre que eso significaría el fracaso de su idea al crearla. Curioso asunto. La trama versa sobre dos madrileños castizos aunque uno confiese que es de Cuenca, que se encuentran en la Guerra de Cuba como consecuencia de su mal arte de carteristas y así descubrimos su tragedia y la de la guerra, dos pillos que no tienen más sentido que el de sobrevivir, les encomiendan una misión, custodiar a un chino que quizá sólo viva en su mente, pero que aparentemente está detenido por asesino, mató a su mujer y a un mulato cubano que era su amante; el chino se convierte en su obsesión y acabarán yendo al barrio chino a buscarlo. La adaptación que leemos, añade la Guerra de África que se mezcla con la historia original, donde también aparece el chino como un ente que no existe pero que les persigue. Y también conoceremos a la familia, esposa y sus cinco hijos que aguardan al dichoso chino comiendo arroz en su chabola.

Es como un cuadro abstracto que miramos sin llegar a comprender porque le buscamos un sentido lógico. Alfonso Sastre Salvador (Madrid, 1926 - Fuenterrabia, 2021) fue un escritor, dramaturgo, ensayista y guionista cinematográfico, poeta, miembro de la generación de los 50, que se opuso a la dictadura franquista por lo cual fue encarcelado varias veces y que desarrolló su compromiso político a través de sus obras y actividad cultural, pero también militó activamente en política; en 1986 recibió el Premio Nacional de Teatro y en 1993 el Premio Nacional de Literatura en su modalidad Dramática; su producción de obras teatrales ha sido ingente, así como ensayos, novela, poesía y ha participado en varios proyectos colectivos.

La presente obra, escrita en 1974, se representó en la Sala Gayo Vallecano el 18 de octubre de 1979, con los arreglos y añadidos que se comentan apoyados por el propio Sastre y que son parte ya de dicha producción si se quieren usar. Consta de un prólogo y 19 escenas más dos apéndices, por tanto, su estructura es diferente a la tradicionales representaciones; en cuanto a la puesta en escena también varía, es muy sencilla y básica apoyándose en muy pocos elementos escénicos y en un juego de luces que hace la transición de una escena a otra. Tiene dinamismo a pesar de que la acción recae en Rincón y Cortado, los dos personajes básicos, cuyos nombre nos remontan a la novela picaresca de Rinconete y Cortadillo ¿verdad?. Adicionalmente incluye un "Léxico Jergal" donde a modo de diccionario, nos va traduciendo las palabras que los protagonistas usan en algún capítulo y que son difíciles de comprender si no eres muy castizo.

Al final del tomo, nos encontramos con "La quincena teatral" que nos informa de las obras en cartel al 1 de febrero de 1980 en Madrid, detalle de estrenos y recaudación, ranking por público asistente, etc. además de incluir un breve detalle de la cartelera de Barcelona y Valencia.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

LA PAZ

 

Traemos una "celebración grotesca sobre Aristófanes" titulada La Paz en el número 5 de la colección La Farsa segunda etapa, realizada por el dramaturgo, ensayista, director de escena, dibujante, narrador, Premio Nacional de Teatro en dos ocasiones, Premio Nacional de Literatura Dramática, Premio Valle Inclán, Premio Príncipe de Asturias por el conjunto de su obra, miembro de la Real Academia de la Lengua, etc. Francisco Morales Nieva (Valdepeñas, 1927 - Madrid, 2016), autor de multitud de obras teatrales y noveladas, adaptador de clásicos y modernos, criado en un ambiente culto y de estudio, pasada la Guerra se fue a vivir a Madrid donde comenzó a desarrollar su actividad artística. De cuya biografía os dejo el enlace a la Real Academia de la Historia.

En este caso se trata de una interpretación de la que se considera la primera representación teatral cómica, obra de Aristófanes, pero reescrita para adaptarla a nuestros días sin abandonar la esencia. La lucha entre la Guerra y la Paz personalizadas en dos actrices, la asistencia de los dioses griegos, en concreto Hermes, como favorecedor de los humanos, cargado de símbolos, un coro que siempre es necesario en el teatro griego, el héroe, las hijas tontas que dan el juego y el comentarista... entre otros. Tal vez la obra parezca un poco absurda, pero está cargada de humor y con unos diálogos ágiles y ocurrentes a la hora de buscar metáforas, que nos harán asomar la sonrisa. Lejos de las grandilocuencias griegas, lejos seguramente del original, nos hace reflexionar sobre la postura del ser humano y cómo le influyen para situarse ante la vida, inquieto o sumiso, cómo riegan la discordia, el miedo, etc. mediante un agente "Tumulto" que aquí se convierte en un personaje que precede y/o acompaña a la Guerra, 

Dice el autor en su preámbulo que dicha obra es un encargo y medita sobra la necesidad de escribir a voluntad o a sabiendas de lo que se espera de él. Se estrenó en julio de 1978 en el Teatro Romano de Mérida y en noviembre en el Teatro María Guerrero de Madrid, bajo la dirección de Manuel Canseco. Y se publicó en este tomo, en 1980, acompañando una nota biográfica del autor y, en la parte correspondiente a "La quincena teatral" la cartelera de Madrid al 15 y al 31 de enero de 1980 y la de Valencia durante dicha quincena. Otra novedad es que incluye un estudio sobre la recaudación de las obras teatrales con un ranking por número de espectadores e importes ingresados en taquilla, datos un tanto curiosos que tienen más de técnicos que prácticos para el público en general. 

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DE SAN PASCUAL A SAN GIL

En el número 4 de esta segunda edición de la colección La Farsa a cargo de la editorial VOX, nos encontramos con una obra histórica dedicada al levantamiento de los artilleros del acuartelamiento de San Gil. Utiliza personajes que existieron realmente junto con otros que sin constar, debieron ser más o menos así. Este acuartelamiento estuvo en lo que hoy es la plaza de España y la sublevación se produjo en 1866, pero se retrotrae a los momentos previos cuando se fraguó y sus consecuencias. Hay que recordar los convulsos tiempos que fueron el siglo XIX con continuos pronunciamientos militare, la Iglesia interviniendo activamente en política, las nuevas ideas de progreso y democracia que nacían como enemigas del conservadurismo y el caciquismo imperante, la ignorancia y el hambre del pueblo, las inquietud por las colonias o territorios ocupados en el extranjero... Un buen narrador de estos tiempos es Benito Pérez Galdós y las cosas que vamos encontrando como esta interpretación en una obra teatral.

La reina Isabel II, O`Donell, Espartero, Narváez, el padre Claret y la monja Sor Patrocinio como representantes de lo que no se ve pero ocurre, se mezclan con los nombres de políticos de la época Olózaga, Serrano, Cristino Martos, Alonso Martínez, Cánovas, Prim... Y los fantasmas de los protagonistas, los secretos ocultos, sus relaciones a veces engañosas, la dependencia de los generales que tenían los reyes y la propia influencia de la religión, casi siempre muy negativa y al lado del poder... Por eso el título hace referencia al Convento de San Pascual y al acuartelamiento de San Gil. Dos de los elementos más nefastos para el transcurso de ese siglo.

Domingo Miras Molina (Campo de Criptana, 1934 - 2022), recibió el premio Nacional de Literatura Dramática en el año 2000, trató mucho con Antonio Buero Vallejo al que le unía cierto cariz de su teatro; usó el realismo mágico como sostén de sus tramas, pero también cultivó la mitología y los dramas realistas siempre en persecución de reflejar la realidad de lo que pasaba en su época o como punto de partida para comprender sus consecuencias; maestro de escuela hasta el final de la Guerra Civil, dio un giro profesional a su vida pero continuó con el teatro, además de sus obras, adaptó otras muchas al escenario. La presente fue estrenada el 5 de mayo de 1979 en el Real Coliseo de Carlos III de San Lorenzo de El Escorial, a cargo de la compañía "El Búho" y publicada en este librito en 1980, se compone de dos actos en los que se suceden los hechos y los escenarios sin telón, merced a un juego de luces que permiten los cambios.

Al final del tomo, como es costumbre, aparece el contenido de "La quincena teatral", subtítulo de esta colección y que nos trae la cartelera al 15 de enero de 1980, con detalle de obras y teatro, así como la crítica más amplia de alguna de ellas a cargo del director de la colección, José Monleón. Y la colaboración del Centro de Documentación Teatral.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

 

HOY DE HOY DE MIL NOVECIENTOS HOY

 

En el número 3 de la colección nos encontramos con una obra de teatro para niños ¿o es una obra de teatro hecha por adultos para niños? ¡la diferencia no es cualquier cosa!

"Un juego con Cuentos de Anotniorrobles" es el subtítulo, aduciendo a que de dos cuentos de este autor de historias infantiles, profesor y aficionado a la escritura fantasiosa, han sido el origen de esta pequeña obra de teatro representada por actores adultos. La idea surgió en el CNINAT, el Centro Nacional de Iniciación del Niño y del Adolescente al Teatro creado por el Ministerio de Cultura en 1978, dirigido por José María Morera y formada por un núcleo de actores que formaron dicho organismo. Este fue su primer trabajo, estrenado el 18 de agosto de 1978 en la plaza de la Iglesia de Azuaga, Badajoz, para disfrute del pueblo. Y se editó en este volúmen en 1980 contando con la asistencia del Centro Dramático Nacional. En él se incluyen los dos cuentos originales y una especie de autobiografía de este autor madrileño, que fue profesor en Méjico durante treinta años, volviéndose finalmente a El Escorial. 

Su firma dice que se debió a un error de imprenta que nadie se creyó, su nombre completo era Antonio Joaquín Robles Soler (Robledo de Chavela, 1895 - San Lorenzo de El Escorial, 1983), colaboró desde muy joven en diversas revistas de humor y/o infantiles, incluso se atrevió a fundar una en la que colaboró Ena Fortún entre otros muchos, trabajo en otras con las primeras firmas de la época. Su posicionamiento en la República le supuso la emigración tras el final de la Guerra, obteniendo la cátedra de Literatura Infantil en Méjico. País donde siguió cultivando la novela para adultos. Su publicación de cuentos es larguísima. Recibió numerosos premios por su obra infantil. Para conocer más, consulta en Cervantes.es.

El librito publicado, además de la muy amena obra de duración una hora, añade varias canciones con música de Pedro Luis Domingo, compositor famoso autor de la banda sonora de "Tres en Raya" y otras adaptaciones. Pero además cumple a función de "La quincena Teatral" informando de las obras en cartel que había al 16 de diciembre de 1979 con amplios comentarios de alguno de los montajes de ciertas de ellas.

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JUECES EN LA NOCHE

 

El número 2 de la serie "la quincena teatral" que es el sobrenombre de la reedición de La Farsa, nos trae una obra del premio Cervantes de 1986, Antonio Buero Vallejo. Estrenada en el Teatro Lara de Madrid el 2 de octubre de 1979, constaba de dos Actos y cada uno de éstos dividido en dos partes; se sitúa la acción en el Madrid de esos años llamados de la Transición, recién comenzado el período democrático y con claras referencias a los acontecimientos políticos que rodeaban el momento, entre el pasado y el futuro, cuando se confundían los intereses entre las fuerzas sociales y las económicas, desgraciadamente con hechos muy tristes. Buero Vallejo la define como "Misterio profano" y avisa al comenzar con el tan traído "cualquier parecido con la realidad es mera coincidencia", ni personajes por muy claros que estén, son ciertos, pero resulta difícil al leerlo, no recordar los años vividos. 

A pesar de lo cual y de la importancia que tiene el detalle social de los personajes, es un drama de personalidades, de intereses y costumbres por encima de los sentimientos, de frustraciones y dolor. Juan Luis es un diputado en Cortes, creado en el viejo régimen, de misa diaria y de una juventud turbia de la que quisiera borrar ciertos hechos de violencia realizados por aquellas pandillas de jóvenes cachorros que iban buscando rojos a los que apalear; se casó con Julia, a la que ama, y ha triunfado a su forma de ver, en la vida, tiene dinero en suiza, vive a todo lujo y ocupa altos cargos, pero.... Julia a pesar de ser de una familia tradicional, en su juventud conoció un muchacho de esos que llamaban rojos, universitario como ella, fue detenido y encarcelado... Ella siempre ha creído que él se derrumbó y la acusó de ser una activista más, pero su amiga Cristina tiene otra idea del asunto. Hace tiempo que no quiere a Juan Luis y ese es su gran problema.

Los fantasmas, que se constituyen en Jueces en la noche, ayudarán a Juan Luis a descubrirse a sí mismo, a que deje de engañarse y admita lo que es y, sobre todo, lo que fue. Para lo cual, algo terrible debe pasar, un choque en su mundo que le demuestre quién es sin paliativos.

Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, 1916 - Madrid, 2000) fue un dramaturgo español que supo transmitir el sentimiento de sus personajes que en el corto espacio de una representación teatral, mostraban actitudes muy particulares y eran capaces de desarrollar una transformación de carácter en determinadas condiciones. Dicen autores que no hay malos ni buenos en el teatro de Antonio Buero Vallejo, sino seres atormentados, frustrados, enfermos, etc. que buscan dar salida a sus taras. Conoció los rigores de la Guerra y los de la posguerra, la cárcel y el sufrimiento de las clases más bajas, así que en sus obras se reflejan todas estas situaciones, con títulos como "Historia de una escalera","Un soñador para un pueblo", "En la ardiente oscuridad", "Madrugada", "Caimán", "El tragaluz", "La Fundación", etc. Para ahondar en su biografía podemos consultar en Real Academia de la Historia o en Cervantes.es, entre otras.

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¡ABRE EL OJO!

 

Comenzó esta colección de La Farsa en 1979 con la presente obra. La colección tenía un subnombre "La quincena teatral", como contamos en la pestaña correspondiente de la portada de este blog, a la que os remito para saber más (ver aquí).

La idea de la colección era presentar obras que estuvieran en cartel como reflejo de la actualidad. En este caso, una adaptación realizada por José Manuel Caballero Bonald de la obra de Francisco de Rojas Zorrilla para representante en el Teatro María Guerrero, ya Centro Dramático Nacional, dirigida por Fernando Fernán Gómez, con nombres como Carmen Maura, Tina Sainz, Vicente Cuesta, Juan Diego, etc. Estrenada el 16 de diciembre de 1978, se publicó en 1979 en este volumen al final del cual se incluye la cartelera que había durante la segunda quincena de noviembre en Madrid, así como comentarios de alguna obra y noticias de los propios Teatros.

De gañanes y mantenidas, sirvientes y nobles, avaros y vividores, criadas y señoras, va esta obra donde Rojas Zorrilla se ríe de las situaciones en las que cada cual pretende ser lo que no es, juega con las ilusiones de los personajes en busca de su propia fortuna, sin importar tener a varias personas colgadas de sus deseos. Lo mismo don Clemente, amante de modosas y de buscavidas, que la propia doña Clara, que colecciona mantenedores sin darles apenas nada o lo menos que puede, se dan cuenta que se quieren y sin embargo, tan vividor uno como la otra, no dan el paso de abandonar esa vida y pretenden seguir sacando beneficio de su afición. Pero las cosas se lían y de repente los amantes de doña Clara como las amantes de don Clemente, adquieren conciencia de lo que ocurre. Al final la cosa pasara por un curioso duelo. Hay que apreciar el acompañamiento de los sirvientes de cada uno, que no tienen tanto problema en confesar que son buscavidas porque no les queda otra. Frente al teatro de la época, serio, de nobles y amantes, damas recatadas y bribones, Rojas Zorrilla crea una trama singular donde se ríe de dicha seriedad. Y Caballero Bonald la adapta a nuestros días, modifica, añade o suprime, como nos cuenta en la introducción.

José Manuel Caballero Bonald (Jerez de la Frontera, 1926 - Madrid, 2021), fue un escritor español reconocido por su poesía, novelas y ensayos, pero también por ser un gran flamencólogo; premiado en numerosas ocasiones por sus trabajos, por decir uno entre su larga nómina, el Cervantes en 2012; partícipe en organizaciones, revistas y cualquier foro donde pudiera aportar algo; hijo de un cubano y una aristócrata francesa, estudió en Sevilla y Cádiz, pasó por latinoamérica y se definió contra el franquismo en sus escritos, sus últimos años los vivió en un lugar cercano a la Dehesa de la Villa por donde se le podía ver pasear; para más información pincha en Cervantes.es. Francisco de Rojas Zorrilla (Toledo, 1607 - Madrid, 1648) escritor que se vio marcado por su origen, dicen unos que si judío, dicen otros que hijo de un morisco, en fin, perteneció a la escuela de Pedro Calderón de la Barca, con el que compuso obras en colaboración, se trató con escritores como Vélez de Guevara, Pérez Montalban, Antonio Coello, con los cuales también participó en títulos, su obra abarca Autos sacramentales, Comedias de santos, de figurón, costumbristas, etc. con títulos como "Del Rey abajo, ninguno", "Entre bobos anda el juego", "Donde hay agravios no hay celos", "Los bandos de Verona", etc.; para seguir conociendo sobre su vida, ver en Real Academia de la Historia.

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EL SEÑOR DE PIGMALION

 

Pigmalión es parte de la mitología de Chipre, se trata de su rey que buscaba a la mujer perfecto para casarse, sin encontrarla, entonces decide dedicarse a la escultura llegando a enamorarse de una de ella. Posteriormente griegos y romanos siguieron explotando la conducta de Pigmalión y ampliándola, nació Afrodita y Galatea. Con el tiempo se han ido acumulando poemas, novelas, óperas, películas, etc. derivando de este mito, e incluso obras de teatro como la que ahora tenemos ante nosotros. En este caso, el autor se adelanta a los conceptos escénicos más modernos y crea una situación donde va a reflejar los tipos de personas que pululan por cualquier ciudad europea, tipos que se adaptan a cada capital, también hay una Galatea ó Afrodita, en este caso se llama Pomponina y viene acompañada de dos damas, ella misma y el resto de personajes, son muñecos que cobran vida y deciden salir a conocer el mundo. Por cierto, no me resisto a contar que una de esas obras de Pigmalión, es la famosa "My fair Lady".

Juan Grau Delgado (Barcelona, 1877 - Buenos Aires, 1958) está considerado como de la generación del 98 no encuadrado aunque sí contemporáneo; cuya principal obra es la presente de entre la treintena que se le atribuyen, se la sitúa muy cercana a "Niebla" de Unamuno, con referencias al "Pigmalión" de Bernard Shaw y a "Seis personajes en busca de autor" de Pirandello. De oficio diplomático, la muerte le alcanzó en su exilio argentino.

Fue representada por primera vez en París el 14 de febrero de 1923, en el Teatro Montmartre; posteriormente en el Teatro Nacional de Praga el 3 de septiembre de 1925. Y por fin en España, en el Teatro Cómico de Madrid el 18 de mayo de 1928, publicándose en La Farsa con el número 40, el 9 de junio de ese año; en este caso acompañado de ilustraciones de Bartolozzi representando a algunos personajes de la obra y cuatro fotografías de la misma incluyendo a Pomponina, como era de esperar. Como dice en su portada es una "farsa tragicómica de hombres y muñecos, en tres actos y prólogo", divididos en escenas, añado.

LA CURA

 

En un Sanatorio de Reposo Privado se mezclan diferentes personas, médicos, enfermeros y enfermeras. Pero curiosamente, también caraduras que eligen el lugar para pasar unas vacaciones, como si fuera un hotel, este es el caso de Oscar, de lo cual es consciente el director del negocio y un amigo íntimo con el que procura correrse cada noche una juerga sin que la mujer del internado lo sepa, crédula de que está realmente alterado y necesita una cura de reposo total. Él jeta alude a la manía de su mujer por la poesía y su especialización en Moratín, mientras él se dedica a lo que le gusta, perseguir mujeres y regalarles botes de colonia. En eso que llega una enferma, Genoveva, que aparentemente es una persona normal además de una mujer muy atractiva. E intenta acercarse a ella. Pero no todos los que allí moran, son tan gamberros como él y sí tienen un motivo para estar encerrados. Por el escenario pululan un coronel algo atrancado en determinados pasajes bélicos de su vida, un médico brasileño con unos métodos de curación poco claros y algún otro personaje auxiliar.

La presente obra figura publicada con el número 39 de la colección la Farsa el 2 de junio de 1928, incluyendo caricaturas de los autores y de algunos personajes, Se trata de una "tragedia humorística en tres actos", según reza la portada, escrita por Pedro Muñoz Seca y Enrique García Velloso, estrenada por primera vez en el Teatro Campos Elíseos de Bilbao el 22 de octubre de 1927 y posteriormente, en el Teatro Lara de Madrid, el 17 de marzo de 1928. Pedro Muñoz Seca (El Puerto de Santa María, 1879 -  Paracuellos del Jarama, 1936), escritor prolífico que sobrepasó los 200 títulos y multitud de éxitos, estrenó su primera obra a los 22 años en Sevilla, su fama le precedió a su llegada a Madrid, dedicó numerosas obras a ridiculizar la República y las novedosas leyes que ésta elaboraba, de ahí la acidez que a veces encontramos soterrada en las tramas, pero su activismo político en tiempos tan movidos provocó que acabara tristemente entre los fusilados; su aportación humorística como subgénero se conoció como la astracanada; abuelo por vía materna de Alfonso Ussía y Borja Cardelús; colaboró con numerosos autores como el de esta obra: Enrique García Velloso (Rosario, Santa Fé, 1880 - Buenos Aires, 1938) cineasta y guionista, director de cine y de teatro, entre los que se encuadra la zarzuela, el sainete, la opereta, la tragicomedia, la comedia, etc. con más de 200 títulos y películas donde fue guionista y/o director en algún caso.

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LA MORERIA

 

El número 38 de la colección La Farsa nos trae una nueva Zarzuela, con libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw, y música de Rafael Millán, inspirada en la obra de Julio Dantés titulada "La severa", obra maestra del teatro portugués como anuncia el propio librito editado el 26 de mayo de 1928, que contiene caricaturas de MasBerger. Fue estrenada en el Teatro La Latina el 20 de abril de ese mismo año. Dividida en tres actos y cada una en varias escenas, escrita en prosa y con numerosas canciones.

Federico Romero Sarachaga (Oviedo, 1886 - Madrid, 1976), periodista y letrista de zarzuela, fue uno de los fundadores de la SGAE, que participó en varias zarzuelas, con el que más con Guillermo Fernández Shaw dejándonos numerosos éxitos conjuntos que ahora citaré. Guillermo Fernández Shaw Iturralde (Madrid, 1893 - 1965), periodista y libretista de Zarzuela, es miembro de una saga que incluye a su padre y a su hermano, con el que trabajó en varias obras, además conjuntamente con Federico Romero es autor de zarzuelas tan conocidas como "La canción del olvido", "La rosa del azafrán", "Luisa Fernanda", "La Cibeles", "La tabernera del puerto", etc. y otras más con su hermano Rafael, además de ejercer su profesión como periodista. Julio Dantas (Lagos, 1876 - Lisboa, 1962) fue un escritor aristocrático, político y que ejerció como diplomático que cultivó la traducción el relato, la poesía e incluso obtuvo varios éxitos de adaptaciones al cine y la Ópera, siendo la presente escrita en 1901. Rafael Millán Picazo (Algeciras, 1893 - Madrid, 1957) fue un compositor de zarzuelas, cuya carrera como tal comenzó cuando ya era un poco mayor, mientras ejerció como violinista; participó en numerosas zarzuelas y operetas de gran éxito con los mejores letristas de su época.

Con gran exaltación de Portugal y el fado, nos cuenta la historia de Severa, una cantaora de Fados de la cual todos se enamoran por su belleza, su carácter fuerte que algún personaje identifica como masculino (atención a esto porque estamos acostumbrados a que nos presenten a la damisela dulce y débil que necesita un hombre para sentirse segura y protegida) pero al mismo tiempo, es una mujer sensible y que se entrega de una forma poco comprensible (en varias ocasiones insinúa que si el hombre la pega es por que la quiere). El conde, torero y rejoneador de tradición lusa, es quien la enamora, él también se enamora, pero contra ese amor correspondido chocan varios factores: una marquesa casada que quiere un juguete para pasar el rato, los hombre que rondan a la cantaora... entre ellos uno en particular,"el Custodia", sencillo y bueno, muy bueno, por el cual Severa siente un inmenso cariño pero que nunca podrá alcanzar su corazón. 

No esperemos una obra como las que estamos acostumbrados con lances de honor, retos, duelos. Es bastante más humana y real, dentro de lo que es la figuración. Severa tiene una gran personalidad y domina su vida y su destino, opta y elige; es una fuerte fuerte, dura, apasionada, de un solo hombre y ese es el conde, el que ella ha elegido y que acabará con él.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

EL DEMONIO FUE ANTES ANGEL

 

Nuevo tándem entre la compañía de María Guerrero con Jacinto Benavente en esta obra estrenada en el Teatro Calderón de Madrid el 18 de febrero de 1928, una comedia dividida en tres actos y estos en varias escenas, que fue publicada con el número 37 por La Farsa el 19 de mayo de ese año mismo. El libro se acompañó de caricatura sy dibujos de la representación, como es habitual en esta colección. Trama costumbrista de la sociedad acomodada a la que tiene acceso un joven por la casualidad de haber sido conocido por el marqués, eso y la personalidad callada y educada del muchacho le llevará a ganarse la simpatía de la marquesa y la hija de ambos, que enseguida querrán presentarlo en la pequeña sociedad de Moraleda, la de Madrid ya es otra cosa pues la idea es que se queden a vivir allí, que las clases sociales existen ¡caramba! Y tanto existen que las dos jóvenes protagonistas se dedican a hacerles el bien, dar de cenar a los niños, acompañar y auxiliar a los enfermos... pero un día en la familia les comentan que los pobres nunca agradecen nada, a lo que el joven les responderá que no, que son los ricos los que no agradecen a los pobres el esfuerzo que hacen por ellos ¡magistral lección! de Benavente, pues el joven usa esta frase para lanzar un mensaje que nadie recogerá de momento.

Como no podía ser de otra forma, el amor nace entre el muchacho y la principal amiga de la marquesita, que sin ser noble ni rica, es la amiga de juegos de la infancia del pueblo. Y sin embargo, el muchacho de quien está enamorado es de la marquesita, a sabiendas de que jamás podrá hacer pareja con ella por la diferencia social y porque ya está casada, admite contraer matrimonio con la del pueblo. Es una renuncia consciente, agradecida por lo que la familia ha hecho por él, renunciará a seducir a la marquesita consciente de la distancia que los separa, pero aceptará la propuesta de matrimonio que le insinúan, es la única forma de conservar el contacto, al menos. Hernán, Casilda y Fernanda, el muchacho, la marquesita y la amiga de la infancia. Los demás personajes son filósofos cuyas parrafadas cargadas de retórica, cansan un poco por su extensión y llenan de pensamientos la obra. Y se preguntan si no estarán haciendo como en el viejo dicho que el demonio fue antes ángel y por eso Fernanda y Hernán se avienen a su destino, como lo concibieron los marqueses aún a sabiendas que es Casilda el amor real del muchacho, cosa de la que todos llegan a convencerse incluido Joaquín, el marido de Casilda. ¿Comedia o drama? ahí lo dejo.

Jacinto Benavente Martínez (Madrid, 1866 - 1954) es uno de los pocos autores españoles que tienen un premio Nobel, otorgado en 1922, lo cual ya aporta a su currículum un esplendor mayor. Dramaturgo, cineasta... dejó un gran número de obras en las que, algunas veces según dicen sus críticos, no llega a ahondar tanto como podría haberlo hecho y la denuncia de aspectos como la manipulación de las informaciones, el papel de la mujer, la modernidad o la situación política, no llegan a cuajar suficientemente. De hecho, sus variaciones entre las diferentes opciones que conoció a lo largo de su vida, le hacen estar siempre al lado del que gobierna, desde Primo de Rivera durante la Dictadura blanda, la República durante la Guerra Civil o loas al franquismo tras su victoria final, y sin embargo, durante muchos años posteriores al 39, tuvo que representar sus obras citándolas no con su propio nombre sino por "el autor de la Malquerida". Sin embargo su fama es total, debida a la popularidad de sus obras, pero también a su cantidad: teatro, versos, novelas, críticas, adaptaciones, guiones...

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

LA PARRANDA

 

Zarzuela regional y costumbrista que nos presenta La Farsa con el número 36 de su colección, estrenada en el Teatro Calderón de Madrid el 26 de abril de 1928 y publicada el 12 de mayo. Dividida en tres actos, escrita en prosa por Fernández Ardavín y música del Maestro Francisco Alonso. Incluye caricaturas de ambos y de los personajes. La acción transcurre en el entorno de la huerta murciana y los personajes se harán eco de las costumbres y festejos que allí se dan, convirtiéndose la obra en una exaltación de la Región y convirtiéndose sus canciones en populares, así el canto a Murcia se considera como un himno no oficial pero representativo, además otros dúos y coros, interpretarán canciones que serán muy apreciadas y conocidas.

Luis Fernández Ardavín (Madrid, 1892 - 1962), dramaturgo y poeta del modernismo, periodista y guionista cinematográfico, hermano del director de cine Eusebio Fernández Ardavín para el que realizó varios guiones incluso de sus propias obras, además de libretista de Zarzuelas como "La Parranda", "El señor Pandolfo", etc. completadas por Amadeo Vives, Francisco Alonso o Moreno Torroba. En Teatro destacan "La dama de armiño" sobre los amores de la hija del Greco con un judío en el Toledo del siglo XVI, "La vidriera milagrosa" sobre Isabel de Hungría, etc. Francisco Alonso López (Granada, 1887 - Madrid, 1948) compositor que llegó a presidir la Sociedad General de Autores, son muy conocidas sus zarzuelas como por ejemplo "Las Leandras", "Las Corsarias", "Las de Villadiego", etc. además de himnos, canciones, pasodobles, bandas sonoras de películas, cuplés, obras sinfónicas, etc.

Aurora es una joven con un secreto que condiciona su vida, el cual sólo conoce el avaro del pueblo por circunstancias determinadas, sin que éste haga uso ninguno del dicho misterio. Trabaja la joven en un taller de alfarería donde el propietario la intenta seducir con malas artes, ella espantada, trata de huir y hasta piensa en marcharse del pueblo. Allí también trabaja Miguel, un joven que está enamorado de ella en secreto. El cura y el avaro intercederán por este amor, hablarán con ambos y así, Miguel deja la alfarería y compra un terreno en el que trabajará y vivirá Aurora y un matrimonio cuyos personajes nos dejarán muy buenos momentos, pero Miguel vivirá en el pueblo hasta que se casen. A punto de producirse la boda, el antiguo jefe regresa conocedor del oscuro secreto de Aurora e intentará chantajearla... ¡Dramón! porque Aurora será detenida y se suspende la boda ¿acabará bien? ¿acabará mal? pues a leer y lo sabrás.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

LA MURALLA DE ORO

Con el número 35 se publica esta obra estrenada el 7 de abril de 1928 en el Teatro Reina Victoria de Madrid y publicada en la colección La Farsa el 5 de mayo de ese mismo año. Se trata de una Comedia dividida en tres actos, como es habitual y de rigor en esta época, que en la edición impresa incluye caricaturas del autor y personajes, más dos hojas compuestas por fotografías del mencionado y de momentos de la representación. Es obra de Honorio Maura Gamazo (Madrid, 1886 - Fuenterrabía, 1936), escritor y político monárquico, diputado durante la II República que murió a manos de anarquistas, hijo de Antonio Maura y hermano de Miguel Maura, de él dijo Torcuato Luca de Tena que de no haberse apellidado Maura y no siendo hijo de un político de la categoría de su padre, se le hubiera reconocido como un gran comediógrafo. Entre sus obras destacan: "Corazón de mujer", "Julieta compra un hijo", "Baby", "La muralla de oro", "Raquel", "Cuento de hadas", "La condesita y su bailarín", "La noche loca", "Por sus pasos contados", "Eva, indecisa", "Susana tiene un secreto", etc. algunas incluso servirían de guión de cine y en otros de éstos, colaboró en su elaboración o adaptación.

Una historia muy particular que no necesita ni de enredos ni de muchos personajes, como otras de don Honorio, usa los diálogos entre los protagonistas, largos y rápidos, para ir desarrollando la trama. Nos cuenta cómo era la época en la que vivió, pues siempre están escritas en ese ambiente, dentro de un nivel social (que no clase social, no nos confundamos) alto y en este caso, casi muy alto. Tipismos como el que dice que un matrimonio donde la mujer sea la poderosa, la rica y el hombre no lo sea igual o más, está condenado al fracaso, es lo que se llama "la muralla de oro", de hecho, la acción comienza con un accidente de automóvil el cual ella va conduciendo y la gente le increpa "para guiar hay que tener bigote", "vete a remendar calcetines"... La acción a primeros del XX, ahora lo comprendemos ¿no? porque esos insultos existen aún. Otra curiosidad es el tema del divorcio, que entonces existía, luego hubo un desarreglo histórico y desapareció durante más de cuatro décadas y aún hoy, hay quien defiende que debía prohibirse, bueno, pues en la obra hay un divorcio pero los mismos divorciantes deciden no usar los abogados, si no llegar a un acuerdo entre ellos ¿nos suena? Pues esto estuvo prohibido muchos años. Al final ¡cómo no! la comedia familiar encuentra el camino para el buen fin,

@ 2022 by Santiago Navas Fernández.

EL QUE NO PUEDE AMAR

 

Número 34 de la colección La Farsa, Comedia en tres actos y un prólogo, cada uno de ellos dividido en dos cuadros y varias escenas. Cada uno de ellos cuenta algo parecido pero con escenarios muy distantes, como se dice en el prólogo. Desde el reino de Nepal o del Tibet, según se vea; la Italia de los carnavales en plena efervescencia del XVIII - XIX; hasta los tiempos modernos quizá en algún punto de Andalucía. Supongo que el estreno debió sembrar la inquietud y la duda en algunas personas, puede que hasta hubiera quién se saliese de la sala. No he encontrado la crónica de la dicha que se produjo en el Teatro de la Princesa de Madrid el 16 de abril de 1928, publicándose en esta colección el día 28, acompañado de caricaturas de los personajes y del autor. Y no lo digo como crítica, sino porque en esa época el teatro mayoritario era la comedia cómica, el juguete, el sainete, la zarzuela de tipismo y amores trágicos, y esta obra deriva más hacia un movimiento nuevo y diferente, donde desaparece la risa y surge una especie de inducción al pensamiento concluyente, uniforme.

Alejandro Mac-Kinlay (Buenos Aires, 1879-Roma, 1938), hijo de un escocés y una francesa, recaló en Málaga a fines del siglo XIX, donde se casó, aunque, como dice Rafael Inglada, «pertenecía a todos y a ningún sitio»: Argentina, Francia, Inglaterra, España, Italia... Aristócrata, millonario y raro de la literatura, escribió obras teatrales y algunos libros de poemas, entre los que destaca “Hai-kais” (Ediciones de la Brújula, París, 1936), el único libro de pre-guerra dedicado exclusivamente al hai-kai, aunque una hai-kai de 4 versos y rima consonante. Trató a Rafael Lasso de la Vega y a González-Ruano, que lo incluyó en su antología (donde lo da como nacido en Málaga) y habló de él en sus memorias, al igual que Cansinos-Assens.

Una buena nómina de actores repiten guión en los tres diferentes escenarios, básicamente son los mismos personajes: la princesa ó reina o mujer protagonista, el noble o rey, el que surge de repente y no se sabe cómo pero aparece revestido de cierta autoridad o personalidad indudable, los colaterales amigos o consejeros que auxilian en la trama, etc. Un hilo conductor insospechado parece unir estas tres historias, el amor siempre por medio, la pasión secreta, el amante no confesado y el personaje que sorprende, el inductor del mal, de la muerte, de la traición, de los tiempos negros. Hasta el tercer acto no se va a descubrir, aunque si buscamos los puntos comunes podemos intuir que siempre el mal se interpone en el camino del bien, disfrazado y ocupando un lugar muy visible pero sibilino arrastra a los seres humanos a la maldad, inocentemente. Es "el que no puede amar" y por tanto, no va a dejar a nadie hacerlo si lo puede evitar.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

LA MARCHENERA

 

El número 33 de la colección La Farsa nos trae un éxito que ha transcendido a los tiempos. Una Zarzuela dividida en tres actos que se ubica en Marchena y Mairena del Alcor, dos pueblos de la provincia de Sevilla, escrita en prosa con música del maestro Moreno Torroba: Federico Moreno Torroba (Madrid, 1891 – 1982), compositor de numerosas Zarzuelas, algunas Óperas y otras obras musicales, títulos tan cocidos como "Maravilla", "Luisa Fernanda", etc. Gran Cruz de la Orden del Mérito Civil en 1966. Y los letristas Ricardo González del Toro (1875 - 1958), libretista, autor de obras en solitario y conjuntamente con otros autores de su época; y Fernando Luque. Se estrenó en el Teatro de la Zarzuela de Madrid el 7 de abril de 1928 y se publicó en esta colección catorce días después, incluyendo varias caricaturas de los protagonistas y los tres autores.

Paloma es una preciosa muchacha que es protegida por el conde de Hinojares, tanto cariño se profesan que el galán Félix Samaniego cree que existe algo más entre ellos, así que llevado por los celos decide seducir a la hija del conde y así castigar a los dos. El conde anda metido en política en los convulsos tiempos del siglo XIX, cuya actividad le lleva a ir y venir, desaparecer, ocultarse, etc. pero la afrenta sufrida por el juego de Félix, le lleva a enfrentarse a él, el honor de su hija y la deshonra serán los causantes. Alrededor giran varios personajes que le dan aire a la trama, porque por sí misma es poco para aguantar una obra larga. Los veremos en el cortijo en Marchena y en la feria de Mairena del Alcor, con buen flamenco, caballos y todo lo que es propio de estos festejos.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández