LAS ASAMBLEÍSTAS.

José Troncoso Actor, director y profesor de interpretación gaditano. Licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Sevilla, estudió Teatro Gestual en la Ècole Philippe Gaulier. Dramaturgo y director de la Compañía La Estampida. Entre sus trabajos para otras compañías destacan: Manolita Chen. Un cuento chino y Con lo bien que estábamos: Ferretería Esteban, ganadora de dos Premios Max, Muckers (Reino Unido) y Prinsese Caraboo (Dinamarca). Docente en numerosas universidades andaluzas, así como en el Instituto Cervantes de Rabat, Teatro de la Abadía o Teatro del Norte entre otros. Es popularmente conocido por sus papeles en series de televisión como Gym Tony o las recientemente estrenadas Pequeñas coincidencias y Brigada Costa del Sol.

Las Asambleístas está basada en una obra de Aristófanes muy celebrada, se representó esta versión en el Teatro La Latina a partir de finales de octubre de 2024.

A partir de la historia contada por Aristófanes en el 392 a.C., Troncoso realiza una adaptación actualizada con problemas que ya deberían estar más que superados, de hecho al final de la obra, mediante un pequeño juego de palabras, la protagonista se quejará cómo a sólo 400 años antes de Cristo, aún la mujer se ve sometida a la dictadura machista, 2.000 años después no sólo seguimos reclamando esa libertad, sino que además hay que soportar el negacionismo de ciertos "machos" con la sonrisa cómplice de ciertas "hembras". "Las que tropiezan" son un grupo de mujeres que generación tras generación, caen en los mismos errores y la obra los ilustra con ejemplos: la joven que le gusta salir por las noches y se ve acosada por babosos borrachos, la jefa que por ser mujer no es respetada, la violencia de género, el sometimiento a la voluntad del varón, el sentido de culpabilidad por hacer lo que le apetece, el tener hijos o no tenerlos, etc. Todo llevado con gags de humor y la participación directa del público, someterán a votación nuevas leyes en busca de la igualdad real, para lo que tendrán que disfrazarse de hombres y alcanzar la Asamblea, lo que hoy sería el Parlamento. Aupadas por la diosa Némesis que las hipnotizará y dirá hasta la saciedad que, o van todas juntas o no conseguirán nada.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández.

DOS SIN TRES.

Alfonso Paso Gil (Madrid, 12/09/1926 - Madrid, 10/07/1978) fue un dramaturgo español, autor de sainetes dramáticos, comedias, tragedias y obras de denuncia social (dentro de lo que se podía) con situaciones y diálogos cargados de humor y originalidad aunque su estilo ha recordado a Jardiel Poncela (de hecho se casó con una hija suya) y otros autores anteriores. Hijo de sainetero y actriz, conocía el teatro desde la tripa de su madre, pero ejerció la profesión de periodista dentro de los cánones del régimen, hermano de padre de Antonio Paso Díaz. Además estudió Filosofía y Letras y Medicina, simpatizante de Fuerza Nueva, a veces trabajaba como actor también, viajó por todo el mundo presentando sus obras que superan las doscientas, aunque no todas se estrenaron. En 1968 llegó a tener 7 obras en la cartelera todas alcanzando el "no hay billetes" a diario y una obra suya "Enseñar a un sinvergüenza" tiene el récord de permanencia en cartel: 23 años. Acumuló numerosos premios y a los 51 años un cáncer pudo con él, está enterrado en el Cementerio de San Justo.

El número 575 de la colección teatral Alfil declarado como EXTRA, nos trae esta Comedia en dos actos. Fue estrenada en el Teatro Club de Madrid el 19 de enero de 1967. Contiene dedicatoria y autocrítica en el interior, al dorso pequeña biografía.

El autor traza sólo con tres actores una historia sicológica, una trama enrevesada en la que va soltando perlas diversas, en un mundo donde la mujer que tiene un amante engaña y el hombre que tiene un amante es un pillo. La trama te atrapa por el juego de adivinación del personaje masculino, porque todo va dibujando una historia que irás adivinando pero que no sabrás cómo él va a llegar a esas conclusiones, sin embargo, Paso lo va encadenando sencillamente. Es una obra seria, fuera de la línea de humor fácil que seguía. Es larga, pero en este caso no lo parece como sí ocurre con otras obras suyas. Matrimonio sin hijos acomodado, se casaron a los dos o tres meses de conocerse, a lo seis meses ella fue a buscarle porque estaba en Palma conviviendo con otra, simplemente ¿por qué la historia de ella es más compleja y enrevesada? cosa de los tiempos. Y sin embargo, aunque Paso lo quiere equiparar forzando situaciones, no es para nada lo mismo, pero no lo dice.

@ 2024, Santiago Navas Fernández

LA PERSONA BUENA DE SEZUÁN.

Eugen Berthold Friedrich Brecht, Bertolt Brecht (Augsburgo, 10/02/1898 - Berlín Este, 14/08/1956), conocido como Bertolt Brecht fue dramaturgo, poeta, director de teatro y actor, uno de los escritores más influyentes del siglo XX, creador del teatro épico, también denominado teatro dialéctico. Huyó de la Alemania nazi durante las dos guerras mundiales, regresando tras ambas y fundando el Teatro Berliner Ensemble con su esposa la actriz Helene Weigel. Premio Stalin de la Paz y miembro de la Academia de las Artes de Berlín. Autor de más de medio centenar de obras teatrales y operísticas, varias piezas de un sólo acto, un sin número de poemas y poesías, así como otras obras en prosa. Ricard Salvat i Ferré (Tortosa, 17/08/1934 - Barcelona, 24/03/2009) fue un dramaturgo, director teatral, novelista y profesor universitario, galardonado con la Cruz de San Jorge en el año 1996 y con el Premio Nacional de Teatro de Cataluña otorgado por la Generalidad de Cataluña en 1999, entre otros. Autor de cuatro montajes, cinco obras teatrales, dos novelas y bastantes más ensayos siempre en torno al teatro, director del Festival Internacional de Teatro de Sitges y del de Tortosa en diversas convocatorias.

El número 574 de la colección teatral Alfil fue declarado como EXTRA. Es una parábola dramática que consta de dos actos, un prólogo y un epílogo, pero repleto de cuadros que van intercambiando los escenarios. La presente versión española está a cargo de José Monleón y Armando Moreno, con música de Paul Dessau para su representación. Fue estrenada en el Teatro Romea de Barcelona el 21 de diciembre de 1966, con la dirección de Ricardo Savalt.

Esta historia comenzó a escribirla en 1938 y lo terminó en 1943 durante su exilio en EEUU, estrenándose en Suiza a continuación. Diez cuadros no son suficientes para reflejar esta obra encuadrada dentro de una leyenda China, cuya cultura fascinó a Brecht. Pero al mismo tiempo, una reflexión sobre la bondad del ser humano, sobre la necesidad y la vida, sobre los dioses o las creencias individuales. Un obra que no tiene un fin en si mismo, sino que invita al lector/espectador a reflexionar y ponerle el último acto, o tal vez el primero de otro destino. Shen Te es una joven que desea hacer el bien, es el ángel de los pobres, pero es un ser humano inspirado por los dioses, que se enamora y se decepciona, que ayuda y que llega un momento que tan comprometida está que ya no sabe qué hacer, y entonces llega la tentación y la acepta, pero aún así, sigue haciendo el bien, cuando acude al juicio de los dioses bajo otra identidad, éstos la perdonan y la dejan mientras ella clama su ayuda. Cambios de escenarios constantes e interacción con el público.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández.

PACA ALMUZARA.

José María Pemán y Pemartín (Cádiz, 1897 - 1981) fue un escritor, poeta (compuso una letra para el himno de España), periodista, novelista, dramaturgo, etc. siendo en el teatro donde encontró un lugar desde el que enseñarnos a la posteridad los modos y costumbres de esa época, también hechos históricos desde su particular punto de vista. De profunda educación católica, miembro de una familia gaditana acomodada y padre de diputado conservador, se consideraba monárquico y de derechas, militando en diferentes formaciones. Durante su período de residencia en Madrid, comenzó a trabajar con la Falange, Acción Católica, etc. alejado de los miembros de la generación del 27, durante la República su cada vez mayor actividad política se mezcló con su creciente carrera como autor teatral de rotundo éxito, fundó la revista "Ellas" tras la aprobación del voto femenino con la que pretendía atraer el voto de la mujer hacia los partidos de la derecha. Tras el golpe militar de 1936 intensifica aún más su compromiso político, es la musa, el ideólogo, el poeta del nuevo régimen, se le atribuye la creación de términos como "movimiento nacional", "cruzada", "no somos ni de derechas ni de izquierdas", etc. en una tarea para difundir el mensaje que quería lanzar el franquismo, formó un grupo de intelectuales presidido por Eugenio D'órs y con compañeros como Agustín de Foxá, Manuel Machado, Dionisio Ridruejo, etc. dispuestos a crear contenidos ideológicos y acudir allá donde fuera preciso su arte. Lo que a la larga le valdría ser el cuarto de los 50 consejeros juramentados cuando Franco en 1937 creó la FET de las JONS. Dejó una gran producción artística en obras teatrales, novelas, himnos, cine, ensayo... y una gran polémica para la posteridad, así como nueve hijos e hijas. Para profundizar en su biografía, os recomiendo la Real Academia de la Historia.

El número 573 de la colección teatral Alfil nos trae esta Comedia dividida en dos actos y siete cuadros. Estrenada el 18 de abril de 1950 en el Teatro de la Comedia de Madrid por Lola Membrives. El librito contiene dedicatoria y referencia biográfica al dorso.

Paca es una mujer rompedora en una sociedad tradicionalista, independiente donde la mujer es un complemento del hombre, inteligente y lo exhibe sin vergüenza, pero sensible como el resto de los seres humanos y femenina como el resto de mujeres. Pemán nos presenta un personajes que bien puede corresponderse con algún modelo real y lo usa para situarnos en medio de la alta sociedad de un Madrid costumbrista pero con algunos toques aperturistas al momento social y político donde transcurre. Sin meterse en líos, nos trae una trama de amor entre Paca y un joven escritor cuya edad está muy por debajo de la mujer, creando con ellos un cisma en las costumbres y rumorología contemporánea a su escritura. Su inteligencia y experiencia, aunque en la obra se quiera disimular por razones de censura, la llevan a saber de antemano lo que puede esperar de esa diferencia de edad y de dónde vienen "los peligros" para un autor joven, aunque es consciente de que el éxito de su amor está limitado tanto como a su ingenio poco apreciable. Pero el amor la hace dependiente.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

EL TRAGALUZ.

Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, 1916 - Madrid, 2000) fue un dramaturgo español que supo transmitir el sentimiento de sus personajes, que en el corto espacio de una representación teatral, mostraban actitudes muy particulares y eran capaces de desarrollar una transformación de carácter en determinadas condiciones. Dicen algunos críticos que no hay malos ni buenos en el teatro de Antonio Buero Vallejo, sino seres atormentados, frustrados, enfermos, etc. que buscan dar salida a sus taras. Conoció los rigores de la Guerra y los de la posguerra, la cárcel y el sufrimiento de las clases más bajas, así que en sus obras se reflejan todas estas situaciones, con títulos como "Historia de una escalera", "Un soñador para un pueblo", "En la ardiente oscuridad", "Madrugada", "Caimán", "El tragaluz", "La Fundación", etc. Para ahondar en su biografía podemos consultar en Real Academia de la Historia o en Cervantes.es, entre otras.

El número 572 de la colección teatral Alfil nos trae este Drama en dos partes estrenado en el Teatro Bellas Artes de Madrid el 7 de octubre de 1967, bajo la dirección de José Osuna. La presente edición en tapa dura con la fisonomía de la segunda época de esta colección, es completa y conserva los diálogos suprimidos en la representación, encerrados entre corchetes para que podamos distinguirlos.

Como en tantas obras suyas, Buero nos plantea reflexiones que deja abiertas para que desarrollemos el diálogo con nosotros mismos o con tertulianos. Nos encontramos con una familia formada por cinco miembros, los padres, dos hijos varones y la novia del mayor. El padre ha sido represaliado por sus ideas tras la Guerra Civil y guarda un secreto, su situación es paupérrima; la madre actúa de lazo de unión que mantiene la familia en pie; el hijo mayor es un luchador idealista, parecido a su padre, mientras el pequeño es más práctico y adaptable al nuevo orden social y político. Al tiempo, los personajes son observados y comentados desde un futuro lejano a impensable. Esto abre una incógnita ¿cómo nos veremos en un futuro a nosotros mismos, a nuestras acciones cotidianas, nuestras peleas y sueños? La tragedia está abierta.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

LAS MUJERES SABIAS.

Jean-Baptiste Poquelin (París 1622 - 1673) recibió el sobrenombre de Moliere. Fue un famoso poeta, dramaturgo y actor considerado como representante de la Comedia Francesa a nivel universal, sus obras son sumamente conocidas. En su teatro pretende denunciar el abuso de aquellos personajes que ejercen falsamente profesiones a través de las que pretenden dominar a sus vecinos, aquellos engañosos médicos, religiosos, etc. que se aprovechan de la ignorancia y la buena fe de la gente para vivir del cuento. Y la falsedad de una sociedad ociosa que quiere más aparentar que ser. Usa el humor, la sátira para componer comedias y tragicomedias tales como Tartufo, El avaro, El enfermo imaginario, El médico a palos, etc. Debido a su éxito alcanzó un gran reconocimiento y fama  en vida.

El número 571 de la colección teatral Alfil nos trae una comedia que ya leímos en la colección Orbis bajo el título de "las sabihondas" (ver aquí), elaborada en cinco actos y escrita en verso originalmente, de hecho, se dice que es la obra a la que más tiempo dedicó pues refleja a unos personajes reales. Se estrenó el 11 de marzo de 1672 en el Teatro del Palais Royal de París, donde él mismo actuaria en el papel de Crisalio y una hija suya también actuaría con ese mismo parentesco. Y en el Teatro Español el 14 de septiembre de 1967 bajo la dirección de Miguel Narros.

Enfrenta Moliere una sátira contra la pedantería de la alta sociedad de su tiempo, parece ser que inspirada en un caso real. Mujeres que dicen amar el arte y la ciencia, pretenden saberlo todo, son retorcidas en sus comentarios, y se dejan guiar por un supuesto poeta que escribe largos versos de escasa calidad y fácil rima que busca el beneplácito para casarse con una de las hijas de la familia que visita, acomodada y con dos hijas casaderas. Una de ellas en la línea de su madre, tía y amigas como se ha dicho y la otra simple, llana y que aspira a casarse con su enamorada, alejada de aquella tarea de presumir de lo que no se es. Las negativas de unos y otros el cruce de los personajes, darán lugar a algunos simples enredos pero divertidos. Frente a todo, la figura tranquila y sometida del padre. Mientras la tía, solterona empedernida, se cree que es el objeto del deseo de los hombres, a los que rechaza en su mente.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández.

BAILE EN CAPITANÍA.

Agustín de Foxá y Torroba (Madrid, 28/02/1906 ​- Madrid 30/06/1959) fue un escritor, poeta, novelista y autor teatral, periodista y diplomático español, destacó por su ingenio mordaz y ostentó los títulos nobiliarios de III conde de Foxá y IV marqués de Armendáriz. Simpatizante falangista hasta que renegó de ella, se relacionó con un amplio espectro de autores literarios y artistas de otras materias, su carrera diplomático le hizo viajar por todo el mundo y conocer otras realidades. Supo reflejar emociones en sus obras y relatar los sucesos tristes ocurridos en la España de la Guerra y la confrontación. Apareció como personaje en dos novelas de su amigo Curzio Malaparte. Miembro de la Real Academia Española desde 1955.

El número 570 de la colección teatral Alfil, declarado como extra, nos trae esta Comedia Dramática en cuatro actos en verso y un prólogo en prosa. Estrenada en el Teatro Español de Madrid el 22 de abril de 1944 dirigida por Cayetano Luca de Tena a quien va dirigida la dedicatoria interior. Al dorso se ilustra pequeña biografía del autor.

Historia de amor dramático al estilo del romanticismo que se ve potenciada con el verso en que está compuesta, un verso cuidado y elaborado por cierto. Aprovecha el autor para adentrarnos en un período convulso, otro de tantos, que ha recorrido nuestro pasado. Comienza aún con Isabel II en el trono y nos presenta el enfrentamiento entre dos españas "irreconciliables" que luchan por un sistema de gobierno diferente, mientras el pueblo se desangra en miseria y hambre, como dicen casi al final, las sirvientas de palacio. Son las guerras carlistas cruentas, con el propio postulante en escena durante el segundo acto. Pero quien lo cuenta es una anciana a sus sobrinos, ella protagonista de la historia de amor, lo vivió en primer término y es una consecuencia más de aquellos años horrorosos que volverían a repetirse en su crudeza y aún más, años después.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

LA COMEDIA DE LOS ERRORES.

William Shakespeare bautizado en Stratford-upon-Avon y posiblemente nacido allí mismo el 23 de abril de 1564, falleció a los 52 años un 3 de mayo de 1616. Por tanto pertenece a "la cosecha" de primeros del XVII, grandiosa y fructífera. Dramaturgo, poeta y actor inglés al que llamaban el Bardo de Avon o simplemente el Bardo, se le considera el escritor más importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal, quizá sólo comparable a Miguel de Cervantes. Ingenioso y de infinitos recursos creativos, dejó una larguísima obra con la que ya conoció el triunfo en sus tiempos, pero éste fue aún mayor a partir del XIX a través de los autores de ese siglo y al siguiente cuando sus obras se reprodujeron a través de tantos medios que pasaron a ser de uso popular. Casado con Anne Hathaway, con la que tuvo tres hijos, aunque dicen algunos biógrafos que su matrimonio no fue muy feliz, no se le conoce trabajando como escritor casi hasta final de la centuria y poco más. Debido a esa falta de datos, a pocos años de su fallecimiento surgió una corriente de estudiosos que pensaban que buena parte de las obras atribuidas no eran suyas. Hoy en día esa polémica no existe. Así que, en cualquier caso, vamos a disfrutar de su lectura.

Albert Boronat (Coma-ruga, El Vendrell, Tarragona, 1977) se licenció en Filosofía en la Universidad de Barcelona y en dirección escénica en el Institut del Teatre de Barcelona. Dirige y participa en diferentes obras de otros autores, recibiendo diferentes premios, lo que combina con la docencia y con alguna beca para desarrollar estudios y funciones en Madrid y en Barcelona.

Esta versión de Albert Boronat, bajo la dirección de Andrés Lima, ha sido representada en el Teatro de La Latina entre agosto y septiembre de 2024. La versión shakespiriana la leímos en una edición realizada en la colección Orbis, ver aquí, bajo el título "la Comedia de las equivocaciones" a cuyo texto me remito para conocer la trama. En este caso se trata de una adaptación realizada acorde a los tiempos actuales, escenario uniforme y polivalente, con giros verbales muy del momento. Incluye bailes "griegos" que mezclan a veces toques joteros o por sevillanas. Es una versión creada para el divertimento del público con el que los actores y la acción interactúan constantemente, jamás pierden el hilo como relatores de un gran suceso ante un público atento. Son 6 actores y 25 personajes, así que a veces rotan los personajes entre ellos, eso sí, al hacerlo lo advierten al público para que no se pierdan en el cambio. Excelente planteamiento del guionista que en vez de meter más actores, enreda la trama aún más que lo que marca el original multiplicando el trabajo entre ellos, mezclándolos y obligando a un cambio de aspecto casi continuo. Con música en directo. En fin, que esta versión, respetando la trama de Shakespeare, nos divertirá por su extravagantes situaciones, esperpénticas a veces, inconcebibles otras, garantizando siempre la risa.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

SOLA EN LA OSCURIDAD.

Frederick Major Paull Knott, conocido por Frederick Knott (Hankou, China, 28/08/1916 - Nueva York, 17/12/2002) fue un dramaturgo y guionista inglés nacido en China donde sus padres ejercían como misioneros, jugador de tenis e instructor militar de señales, en 1946 vuelve a EEUU donde se afinca definitivamente. Conocido por sus complejas tramas relacionadas con el crimen, completó una pequeña cantidad de obras, escribiendo también para la televisión y el cine con adaptaciones de sus obras, en el teatro consiguió un gran éxito que le permitió vivir de las rentas.

El número 569 de la colección teatral Alfil, nos trae esta obra en forma de Drama policíaco en dos actos divididos en siete cuadros, en versión española de Ignacio Artime y Jaime Azpilicueta. Con dirección de éste último, se estrenó en el Teatro Marquina de Madrid el 10 de mayo de 1967.

Independientemente de la trama, lo que nos agobia es ponernos en la situación de la protagonista, Suzy Hendrix, que espera a su marido, un fotógrafo que viaja mucho por su trabajo y al que colocaron en el equipaje una muñeca que contenía droga para pasarla desde Canadá a Nueva York, donde vive el joven matrimonio. De repente Suzy se encontrará sola en su apartamento ante tres delincuentes que no dudarían en matarla para conseguir recuperar la muñeca, que ella no sabe dónde está. Sólo tiene como aliada a la niña que vive en un apartamento cercano, pero no puede ponerla en peligro. El autor maneja el tiempo para mantener la tensión constante, maestro en el misterio y el género policíaco desde su otro gran éxito "Crimen Perfecto" que ya vimos en esta colección también (ver aquí). Ambas obras han sido llevadas al cine y forman parte de los clásicos de su género.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

LA SEÑORA RECIBE UNA CARTA.

Víctor Ruiz Iriarte (Madrid, 1912 - 1982) no tuvo que desplazare para encontrar cómo desarrollar su labor porque era hijo de emigrantes afincados en Madrid en el barrio de Chamberí; donde pasó el período del conflicto militar no sin algún susto, es tras este paréntesis en su trabajo como periodista, cuando decide adentrarse en el mundo del Teatro (como explica en sus memorias y página web); su producción, generalmente comedias, abarca un gran número de títulos y guiones televisivos en varios de cuyos programas participó, siendo muy habitual en el conocido "Estudio 1". Junto con Neville y Mihura constituye el núcleo del teatro costumbrista con humor, farsa o comedieta de la época.

El número 568 de la colección teatral Alfil nos trae esta Comedia en dos actos, estrenada el 15 de septiembre de 1967 en el Teatro de la Comedia de Madrid, dirigida por el propio autor. Contiene en el interior una autocrítica y al dorso una breve biografía.

Un grupo de amigos se reúnen habitualmente, casi todos proceden o tienen algo que ver con el mundo del arte directa o indirectamente, salvo uno de ellos. Pero lo importante no es eso. Están en la casa de un autor teatral, siempre amigo de las historias reales, observador de las reacciones humanas, y les está contando acerca de su próxima obra. De repente suena la puerta y la camarera trae una carta, anónima, dirigida a la señora de la casa que alguien ha dejado en el felpudo de la puerta. El secreto que esconde hará removerse a la reunión, el pasado volverá a ellos, viejas historias y algún secreto verán la luz. Hay un cierto parecido con varias películas modernas donde un grupo de amigos se juntan y desarrollan juegos donde sale a relucir la verdad, creando situaciones extremas entre ellos y entre las parejas allí reunidas, quizá son una actualización de esta obra que Ruiz Iriarte presenta de forma amena y ágil. Nos hará pensar, sin duda.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

MÁS ACÁ DE "EL MÁS ALLÁ".

Carlos Fernández Montero Llopis, conocido como Carlos Llopis (Madrid, 20/01/1913 - Madrid, 6/04/1970) fue un dramaturgo español coetáneo de Mihura y Jardiel Poncela, cuyo estilo original e ingenioso entra en la línea de dichos autores y Tono, Álvaro de la Iglesia, Armiñan, Alfonso Paso, etc. Aunque de menos reconocimiento, llegó publicar numerosas obras de éxito, guiones de cine y de un par de "revistas" en 1951 y 1952, entre comedias, sainetes y farsas. Situaciones disparatadas y un humor sencillo y directo, lo propio de la época. Falleció de infarto de miocardio.

El número 567 de la colección teatral Alfil nos trae este "juego de ilusionismo y prestidigitación" dividido en tres actos. Se estrenó en el Teatro Cómico de Madrid el 26 de octubre de 1962. Incluye dedicatoria a José Alfayate en el interior y breve biografía al dorso.

Obra entretenida y de humor que usa diferentes argucias para lograrlo. En el prólogo se nos presentan a través de un ilusionista, a los personajes uno a uno con sus circunstancias. El protagonista es un viudo casado en segundas nupcias, músico de profesión, que no consigue un trabajo estable y rentable, además su suegra vive con el matrimonio y se jacta de hacerle la vida imposible. Pero le ha conseguido trabajo como director de la banda municipal de su pueblo, Almendralejo, que tampoco está tan mal, pero que no quiere aceptar porque tiene una banda y aspira a triunfar de otra forma. Y de repente, todo comienza a ponérsele de cara, le toca la lotería, le sale trabajo, se encuentra un anillo... Parece como si del más allá hubiera "alguien" que le está cambiando el destino, pero ¿es para bien o es para mal?. 

@ 2024, by Santiago Navas Fernández

UN FANTASMA CON JIPIJAPA.

Horacio Ruiz de la Fuente (La Coruña, 10/12/1905 - ¿?)  alcanzó su máximo esplendor tras la contienda civil de 1936-39, al estilo de autores como Calvo Sotelo, Pemán o Giménez Arnau, sus obras son tesis de ideología católica, en la que juega con apariciones, ángeles y misterios; su teatro se caracteriza por utilizar pocos personajes, a veces uno, a veces dos... combinándolos en tramas que mantienen la tensión para llegar a un rápido final. Alguna alcanzó tal proyección que llegó a ser un guion cinematográfico.

El número 566 de la colección teatral Alfil nos trae el siguiente "sainete gallego" dividido en dos actos y a su vez, en cuatro cuadros, estrenado en el Teatro Valle Inclán el 11 de septiembre de 1967. El librito contiene una explicación al espectador en el interior y una biografía al dorso.

Comedia rural, tranquila y sencilla que primordialmente nos muestra la vida de un pueblo gallego, usando palabras y giros lingüísticos propios del lugar. El autor ha querido reflejar el tipismo y costumbres del momento del siglo pasado en que transcurre la obra y toma al párroco del pueblo como referente, campechano, generoso ¡un santiño! como le llama su ama de casa, una viuda que vive entre el recuerdo amargo y la añoranza del marido que un buen día desapareció. El cura se cuida de que a nadie la falte nada, tan generoso, que hasta al "comunista" del pueblo le da de comer. Indudablemente en las fechas que está centrada la acción, estos sucesos eran propios de un régimen social y político que intentaba imponer sus fundamentos ideológicos de cualquier forma posible. El cura también se ocupa de los novios, de los casados, de las que pierden la vergüenza... en fin, es el alma del pueblo, pero la historia en sí, lo que nos va a dejar es el habla, las costumbres y la idiosincrasia de un pueblo en una época determinada de la historia.

@ 2024, by Santiago Navas Fernández