jueves, 6 de octubre de 2022

LA MUERTE DE DANTON

 


Georg Büchner (Goddelau. , Alemania, 17/X/1813 - Zúrich, Suiza, 19/II/1837) fue un dramaturgo alemán y escritor de prosa que estudió medicina y alcanzó una gran consideración profesional en ambos campos. Su temprana muerte por tifus a los 23 años interrumpió una breve pero exitosa carrera a pesar de que no llegó a ver sus obras estrenadas sobre los escenarios. Debido a su compromiso político fue perseguido y debió exiliarse a Suiza donde consiguió un puesto de profesor universitario debido a su alta capacitación. Su obra más conocida es "La muerte de Danton", una reflexión sobre la revolución francesa. Su deseo al escribir es tratar los temas más humanos, ocuparse sobre la vida de la gente corriente y sobre la actuación política y social, sin duda, dentro del tiempo de cambios que comenzaba en el centro de Europa y que marcarán los siguientes años, busca el análisis de los sucesos que acompañaban a su época. Entre las nuevas ideas del socialismo, las creencias religiosas más humanistas, investiga en su corta obra sobre la actuación de los seres humanos.

La Revolución Francesa fue un acontecimiento que marcó el desarrollo de las naciones europeas y por extensión, del resto del mundo occidental, dando origen a los estados modernos y demostrando que otro tipo de modelo social podía desarrollarse como forma de organización de un país. Su importancia no podía dejar de ser estudiada para Büchner y ensayar determinados acontecimientos de transcendencia como es lo que aquí se relata: "la muerte de Danton", más que para él, todo esto acababa de ocurrir pocos años antes.

La obra fue corregida por el editor que eliminó determinadas expresiones de poco gusto. Danton fue un destacado miembro de la Revolución, enfrentado a Robespierre. Ambos de carácter muy distinto a pesar de haber trabajado juntos, el desarrollo político les fue separando y el austero Robespierre veía en el sofisticado Danton una desviación de los principios. La obra, dividida en cuatro actos y numerosas escenas, algunas muy cortas pero que nos ayudan a ubicar el ambiente de los acontecimientos, se desarrolla entre diversos escenarios, desde la reuniones de la Comisión de Salvación Nacional, una calle, cualquier habitación de una residencia privada, los pasillos, la cárcel o la plaza pública, etc. Como personajes encontramos a los principales nombres que intervinieron en la Revolución, nombres históricos sobre los que el autor transmitirá su mensaje haciéndolos más humanos, más frágiles, destruyendo un imagen lejana y elevada. Desde las discusiones de los miembros del Comité hasta las intrigas palaciegas, o los sentimientos de las gentes de París, las esposas de los condenados y las personas que más cerca están de los principales miembros ajusticiados. Dantón y su círculo íntimo fueron guillotinado el 5 de abril, tras cinco días en la cárcel, cuya detención se produjo tan solo siete días después de haber sido guillotinado Herbert y sus seguidores. Un opuesto y su contrario.


@ 2022 by Santiago Navas Fernández

miércoles, 5 de octubre de 2022

HISTORIA DE WOYZECK

 



Georg Büchner (Goddelau, Alemania, 17/X/1813 - Zúrich, Suiza, 19/II/1837) fue un dramaturgo alemán y escritor de prosa que estudió medicina y alcanzó una gran consideración profesional en ambos campos. Su temprana muerte por tifus a los 23 años interrumpió una breve pero exitosa carrera a pesar de que no llegó a ver sus obras estrenadas sobre los escenarios. Debido a su compromiso político fue perseguido y debió exiliarse a Suiza donde consiguió un puesto de profesor universitario debido a su alta capacitación. Su obra más conocida es "La muerte de Danton", una reflexión sobre la revolución francesa. Su deseo al escribir es tratar los temas más humanos, ocuparse sobre la vida de la gente corriente y sobre la actuación política y social, sin duda, dentro del tiempo de cambios que comenzaba en el centro de Europa y que marcarán los siguientes años, busca el análisis de los sucesos que acompañaban a su época. Entre las nuevas ideas del socialismo, las creencias religiosas más humanistas, investiga en su corta obra sobre la actuación de los seres humanos.

En 1812 es ajusticiado Woyzeck, un hombre que presuntamente asesinó a su pareja por motivos de celos en Leipzig, así apareció en la prensa y Büchner lo usó para plantearse la responsabilidad de determinados trastornos de la mente sobre la actuación de las personas. En este caso se trataba de un barbero que hacía de conejillo de indias para un doctor, al tiempo que era soldado seguramente del más bajo nivel, cuando descubre que la madre de su hijo de la que está enamorado, mantiene otras relaciones ocasionales y lo desprecia por su escasez de carácter y futuro. Del original se han ido recopilando diferentes partes, por lo que puede haber ediciones más o menos largas; en este caso corresponde a la traducción que efectuó Alfonso Sastre en 1972 para adaptarla al castellano.

Su primera representación se produjo el 8 de noviembre de 1913 en el Teatro Residenztheater de Múnich. La historia sirvió de libreto para una Ópera elaborada en 1925 por el autor austríaco Alban Berg titulada Wozzeck.


@ 2022 by Santiago Navas Fernández.

martes, 4 de octubre de 2022

EL ENFERMO IMAGINARIO



Jean-Baptiste Poquelin (París 1622 - 1673) recibió el sobrenombre de Moliere. Fue un famoso poeta, dramaturgo y actor considerado como representante de la Comedia Francesa a nivel universal, sus obras son sumamente conocidas. En su teatro pretende denunciar el abuso de aquellos personajes que ejercen falsamente profesiones a través de las que pretenden dominar a sus vecinos, aquellos engañosos médicos, religiosos, etc. que se aprovechan de la ignorancia y la buena fe de la gente para vivir del cuento. Y la falsedad de una sociedad ociosa que quiere más aparentar que ser. Usa el humor, la sátira para componer comedias y tragicomedias tales como Tartufo, El avaro, El enfermo imaginario, El médico a palos, etc. Debido a su éxito alcanzó un gran reconocimiento y fama  en vida.

Última obra de Moliere, se estrenó el 10 de febrero de 1673 con él como protagonista, Argán el enfermo imaginario, a los siete días debido a su propia enfermedad que arrastró toda la vida y que le hizo poco devoto de los médicos, se sintió mal en escena y casi no pudo acabar la función sino bajo un gran esfuerzo. Fue llevado a su domicilio entre los miembros de su compañía y allí falleció. La obra no se repuso hasta primeros de marzo para dar lugar a su sustituto a preparar el papel. La obra se compone de tres actos que transcurren en el domicilio del protagonista, donde vive con una segunda esposa, las dos hijas del primer matrimonio y donde recibe a un médico y boticario tras otro por su obsesión de estar enfermo, de lo que se ríen su criada y su hermano en particular. Siguiendo costumbres, se abre con un prólogo que se dedicó a una victoria militar del rey Luis de ese momento, el cual tuvo que ser sustituido por otro prólogo más corto. Además cuenta con "entreactos" que consisten en pequeñas obras que rellenan los intermedios y además un epílogo, en su caso rellenos con poesías y bailes y en el último, una farsa de médicos que cierra la obra.

El sentido de humor de Moliere llega a incluirle a él mismo como un personaje de la época, inmortalizándose a sí mismo a la vez, pero dado que esta es su última obra, el gran dramaturgo ya sabía que era inmortal. La obsesión de Argán le lleva a tomar lavativas y purgantes constantemente, su obsesión por la enfermedad que nadie más que él reconoce, le obsesionan. Y de esa fantasía hace su vida y su agriado carácter. Incluso llegando a plantearse que puesto que tiene dos hijas, una debe casar con un médico y la otra con un boticario que le sirvan constantemente a él. 

Es bueno recordar que el entremés, que se constituiría en un género propio, consistía en obras cortas que se representaban en los entreactos de las obras principales para entretener al público. A veces se añadían canciones y actuaciones musicales, solían ser cortas, rápidas y farsas para divertimento. Tal vez en su desarrollo podríamos llegar hasta la zarzuela española, pero eso sería siglos después.


@ 2022 by Santiago Navas Fernández

lunes, 3 de octubre de 2022

LAS SABIHONDAS



Jean-Baptiste Poquelin (París 1622 - 1673) recibió el sobrenombre de Moliere. Fue un famoso poeta, dramaturgo y actor considerado como representante de la Comedia Francesa a nivel universal, sus obras son sumamente conocidas. En su teatro pretende denunciar el abuso de aquellos personajes que ejercen falsamente profesiones a través de las que pretenden dominar a sus vecinos, aquellos engañosos médicos, religiosos, etc. que se aprovechan de la ignorancia y la buena fe de la gente para vivir del cuento. Y la falsedad de una sociedad ociosa que quiere más aparentar que ser. Usa el humor, la sátira para componer comedias y tragicomedias tales como Tartufo, El avaro, El enfermo imaginario, El médico a palos, etc. Debido a su éxito alcanzó un gran reconocimiento y fama  en vida.

La presente obra está editada en la colección "el Gran Teatro del Mundo" de Orbis-Fabbri donde ya hemos visto otras comedias del autor, en este tomo doble que completa con "El enfermo imaginario". Se estrenó el 11 de marzo de 1672 en el Teatro del Palais Royal de París, donde él mismo actuaria en el papel de Crisalio y una hija suya también actuaría con ese mismo parentesco. Dicen que es la obra a la que dedicó más tiempo de elaboración dado el mensaje que quería transmitir y su referencia a personajes reales.

Se trata de una familia burguesa compuesto por el matrimonio y sus dos hijas, Amaranda y Enriqueta, a las cuales ya piensan en casar. La esposa, Filaminta, aconsejada por su cuñada opta por un joven buscavidas pedante que desea solucionar su vida a través del matrimonio con Enriqueta para lo cual explota las aficiones seudo culturales y el ego de la madre y tía, mientras la joven ya ha optado por un joven prometedor. A través del tío consiguen el apoyo del padre. Como no podía ser de otra forma se crea un embrollo cargado de gags humorísticos y donde la personalidad de las mujeres "sabihondas" refleja la estupidez que reinaba en una parte de la sociedad y que es lo que Moliere quería plasmar con su obra. Son cinco actos rápidos que transcurren en la residencia familiar redactados en prosa aunque en su origen fueron en verso.


@ 2022 by Santiago Navas Fernández

domingo, 2 de octubre de 2022

LÁZARO EN EL LABERINTO

 


Estrenada el 18 de diciembre de 1986 en el Teatro Maravillas de Madrid, se editó en el presento formato en la colección "Voces Críticas" del periódico Público cuando se vendía en papel en los kioscos como acompañamiento al diario. Dividido en dos actos, nos presenta un escenario dividido en tres partes donde la acción sucede y que se les va dando entrada aleatoriamente o a la vez, según exige la trama, mediante un juego de luces que lo iluminan, así podemos conocer lo que ocurre en el instante en los dos o tres lugares de atención que permanecen durante toda la obra "vivos".

Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, 1916 - Madrid, 2000) fue un dramaturgo español que supo transmitir el sentimiento de sus personajes, que en el corto espacio de una representación teatral, mostraban actitudes muy particulares y eran capaces de desarrollar una transformación de carácter en determinadas condiciones. Dicen algunos críticos que no hay malos ni buenos en el teatro de Antonio Buero Vallejo, sino seres atormentados, frustrados, enfermos, etc. que buscan dar salida a sus taras. Conoció los rigores de la Guerra y los de la posguerra, la cárcel y el sufrimiento de las clases más bajas, así que en sus obras se reflejan todas estas situaciones, con títulos como "Historia de una escalera","Un soñador para un pueblo", "En la ardiente oscuridad", "Madrugada", "Caimán", "El tragaluz", "La Fundación", etc. Para ahondar en su biografía podemos consultar en Real Academia de la Historia o en Cervantes.es, entre otras.

Lázaro vive con una obsesión del pasado sin resolver. Un recuerdo que le martiriza y que le enfrente contra sí miso y su conciencia, que le condena desde el fondo de su corazón, por unos hechos luctuosos que ocurrieron en su juventud y de los que duda que su reacción no fue la esperada. Pero carece de medios para conocer la realidad, lo que aún le ata más a dicha duda. Abogado que no pudo ser, la vida le llevó por otro camino y hoy tiene una librería de marcado signo progresista y que le da para vivir y ser feliz, mantiene con él a su hermana y sus dos sobrinos, lo que viene a ser una familia completa. Sin embargo, sigue esperando una llamada, o quizá no, porque se culpabiliza y tendría que ser no una llamada recibida sino una llamada que él debió haber hecho. Eso le traba para rehacer su vida íntima y busca un clavo ardiendo para aferrarse, de momento, su hermana y sus sobrinos le dan ese espíritu familiar, pero su mente no descansa y se revuelve buscando esa oportunidad a su alrededor, ya con loca desesperación. Siempre hay algo que nuestra mente mantiene en la incógnita de qué fue lo mejor aquella vez que...


@ 2022 by Santiago Navas Fernández

sábado, 1 de octubre de 2022

LA VIDA ES SUEÑO

 


Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600 - 1681) fue sacerdote miembro de la Venerable Congregación de Presbíteros Seculares Naturales de Madrid San Pedro Apóstol, caballero de la Orden de Santiago, pero nada de eso le hizo famoso sino ser uno de los más insignes literatos del Siglo de Oro. Proveniente de familia noble de arraigo cántabro, recibió estudios superiores y se introdujo en el mundo literario gracias a su cultura y predisposición, su producción dramática consta de ciento diez comedias y ochenta autos sacramentales, loas, entremeses y otras obras menores, siendo el suyo la culminación del teatro barroco nacido con Lope de Vega. Sus títulos gozan de actualidad y son muy conocidos, en particular "La vida es sueño", "El médico de su honra", "El mágico prodigioso", "El alcalde de Zalamea", El gran mercado del mundo", "El gran teatro del mundo", "La dama duende", "Casa con dos puertas, mala es de guardar", etc. 

Este drama en verso con métrica se divide en tres Jornadas, algo parecido a tres actos que diríamos ahora, que a su vez se dividen en escenas. Se sitúa la acción en la Corte de Polonia transcurriendo entre el interior del castillo real y el campo. Aparte del acompañamiento de músicos, soldados, damas y otros cortesanos, cuenta con el personaje de Segismundo, centro de la obra que vive encerrado en una torre, encadenado y preguntándose porqué ha nacido para vivir así aunque sobre él se ciernan negros augurios o cuente con el pecado original de todos los humanos, pues él es el único en su circunstancia. Además aparecen el Rey de Polonia, Basilio; una infanta llamada Estrella; el duque de Moscovia, Astolfo; el viejo Clotaldo; el gracioso Clarín y la dama Rosaura. El Rey Basilio es un poco pusilánime, pues a él eso de gobernar no es su fuerte, prefiere las ciencias; por lo que hace un pacto con el duque para que éste se case con su hija Estrella y asuma la Corona cuando él ya no pueda, sin embargo, tanto Astolfo como Estrella son primos, nada que lo impida, pero es que Astolfo no ama a Estrella si no a Rosaura. Ésta es hija de Clotaldo, no reconocida por un tema de un desliz, en realidad Rosaura es noble y va a intentar impedir la boda porque ella también ama al duque y, de hecho, acude a la Corte disfrazada de lacayo para impedirlo y acompaña de Clarín, un sirviente risueño y que pone el punto de humor. Clotaldo, padre de Rosaura, es lacayo del Rey, de su total confianza, tanto que es el único fuera del monarca que puede ver a Segismundo, al cual ha enseñado desde pequeñito todos los saberes que ha podido darle, lo consuela y lo comprende. Segismundo es hijo del Rey Basilio, que mandó encerrarle después de escuchar un oráculo sobre el niño recién nacido que le hablaba de su violencia cuando creciera y optó por trasladarlo a la mazmorra donde hace su vida. Y con esto basta para que os pongáis en situación y asistáis a la representación y/o lectura que, si no tenéis el texto, en "Cervantes virtual" podéis encontrarlo en abierto.


@ 2022, by Santiago Navas Fernández.

viernes, 30 de septiembre de 2022

EL GRAN TEATRO DEL MUNDO




Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600 - 1681) fue sacerdote miembro de la Venerable Congregación de Presbíteros Seculares Naturales de Madrid San Pedro Apóstol, caballero de la Orden de Santiago, pero nada de eso le hizo famoso sino ser uno de los más insignes literatos del Siglo de Oro. Proveniente de familia noble de arraigo cántabro, recibió estudios superiores y se introdujo en el mundo literario gracias a su cultura y predisposición, su producción dramática consta de ciento diez comedias y ochenta autos sacramentales, loas, entremeses y otras obras menores, siendo el suyo la culminación del teatro barroco nacido con Lope de Vega. Sus títulos gozan de actualidad y son muy conocidos, en particular "La vida es sueño", "El médico de su honra", "El mágico prodigioso", "El alcalde de Zalamea", El gran mercado del mundo", "El gran teatro del mundo", "La dama duende", "Casa con dos puertas, mala es de guardar", etc. 

El gran teatro del mundo es un auto sacramental dramático, publicado por primera vez en 1655. Escrito en verso de la época y con un solo acto, nos lleva a la consideración del papel que tenemos asignado al nacer y la mochila con la que llegamos al mundo según nuestro destino, mientras un Dios poderoso observa lo que hacemos con la dicha o la desgracia que nos ha dotado. Llegamos por una puerta e irremediablemente nos vamos por otra, a sabiendas de que esto va a ocurrir y que estamos siendo observados, al nacer lo olvidamos y debemos aprenderlo, de nuestra naturaleza escrita en nuestros genes deberá salir la actitud por la que nos premiarán o nos castigarán. Calderón fija los personajes: el Mundo es el lugar donde se produce el hecho, el escenario donde se desarrolla obra, quien entrega el ajuar que cada cual debe llevar en función del destino asignado o quita lo que no corresponde, como le ocurre al Pobre que clama "En fin, este mundo triste/ al que está vestido viste/ y al que desnudo le desnuda."; el Pobre, que nada tiene, ni ropa para taparse; el Rico, todo lo contrario; el Rey, con su corona y sus batallas, sus ministros que le cubren y le tapan; la Hermosura, representada en una dama que dice que condena a quien en sus garras cae; La Ley y una Vez, que apuntan el mensaje divino; el Labrador, condenado a trabajar sin parar; un Niño, que no nacerá porque es fruto del pecado ¿qué le puede pedir al mundo si al escenario ni saldrá?; y la Discreción, nombre para representar la Religión, la única que al final perdura tras la muerte. Unas claras alegorías barrocas para representar el bien y el mal, la vida y la muerte, el premio y el castigo, el destino y el sometimiento a una ideología que tiene como fin el enaltecimiento de la religión como representación de todo lo moralmente positivo.


@ 2022, by Santiago Navas Fernández

jueves, 29 de septiembre de 2022

SAINETES



Numerosas ediciones de esta misma obra hay en el mercado donde se ubican parte o la totalidad de los Sainetes del autor. Un Sainete es una pieza corta, generalmente en un solo acto y que se intercalaba en los descansos de las representaciones de obras largas, su carácter es jocoso y popular. Fue muy usado en sustitución del "entremés" del que es hijo, pero con el tiempo fue alargando su duración y ya en el siglo XIX y XX adquirió identidad propia con autores tan conocidos como Arniches, los hermanos Quintero, etc. En este caso, los de don Ramón son de un contexto totalmente madrileño, remarcando giros propios del lenguaje y personajes de gran tipismo, como las castañeras, los petimetres, la fiesta de San Isidro, etc.

Don Ramón de la Cruz Cano y Olmedilla (Madrid, 28/03/1731 - Madrid, 05/03/1794) fue un dramaturgo español que trabajó y desarrolló el Sainete dentro del "arte nuevo de hacer comedias", considerado como uno de los artífices del casticismo madrileño llevado al escenario. Además realizó traducciones, imitaciones y adaptaciones de obras de autores franceses e italianos y varias Zarzuelas como "Las segadoras de Vallecas", "Las foncarraleras", "El tutor enamorado", etc. y una comedia "Marta abandonada". También realizó pequeñas composiciones por encargo para representaciones de obras ajenas. Si quieres conocer un buen estudio sobre su vida y obra, te recomiendo entrar en: cervantesvirtual.com.

En esta edición coleccionable de Orbis Fabbri encontramos los siguientes Sainetes madrileños (pulsa en el título para leer el resumen): "La pradera de San Isidro", "Las castañeras picadas", "Manolo. Tragedia para reír o sainete para llorar", "La comedia de maravillas", "La presumida burlada", "Las usías y las payas" y "El cortejo escarmentado". Donde se mezclan los personajes típicos de Madrid, los chascarrillos y la forma de hablar de acuerdo a las costumbres de la época, siglo XVIII, en escenarios muy naturales que a veces cambian incluso más de una vez en la misma obra, en el caso de la de "Manolo" son más visibles porque se divide la acción en cada una de ellas. El autor usa el verso en diferentes medidas y acompaña las obras de canciones y música. Comentaremos uno a uno cada sainete citado junto con otros de otras ediciones o en otras colecciones.


@ 2022, by Santiago Navas Fernández 


miércoles, 28 de septiembre de 2022

EL BURLADOR DE SEVILLA


Recoge esta edición tres versiones del mismo mito. La de José Zorrilla, la de Moliére y la de Tirso de Molina. Y sin embargo en Sevilla se cuenta la historia del caballero de origen noble y corazón cruel que secuestró y abusó de una joven muchacha.

Esta versión es la base de todo el mito de don Juan y de las versiones posteriores, escrita por uno de los más grandes autores españoles. El don Juan es el mismo, de ese carácter chulesco, machista, desvergonzado, pendenciero... que vamos a ver en las tres obras, acompañado de un sirviente personal que es su consejero y crítico, cobarde, religioso y responsable. No tenemos a doña Inés, pero hay otras muchas doña Ana, Isabela, etc. lo mismo le da una condesa que una pescadera, que meterse en la noche de bodas y romper el matrimonio de una aldeana. También de esta obra parte la presencia del Comendador, su muerte y la estatua en que se encarna para buscar a don Juan invitándole a cenar. No tan fantasmagórica como la de Zorrilla ni con tanta ironía como la de Moliére leídas en este tramo del blog, pero básicamente muy parecido. Más poético, con la presencia de Alfonso XI y caballeros de Corte, el padre horrorizado de lo que se ha convertido su hijo... en fin, el nacimiento de un mito que aún sigue representándose, aunque en la versión de Zorrilla mayoritariamente. 

Tirso de Molina, como se conoce a fray Gabriel Téllez (Madrid, 1579 - Almazán, 1648) fue un religioso mercedario español que destacó como dramaturgo, poeta y narrador del Barroco, abarcando la comedia de enredo y obras hagiográficas. Se le conoce como creador del mito de don Juan a través de la obra El burlador de Sevilla, que se data en 1617 por unos autores o anterior según otros. Su prolífica obra le ha convertido en el más diverso escritor del Siglo de Oro, se habla de varios cientos que abarcan Comedias de capa y espada, palatinas, históricas, religiosas, mitológicas, filosóficas, autos sacramentales y otras de  prosa.


@ 2022 by Santiago Navas Fernández

martes, 27 de septiembre de 2022

DON JUAN



Recoge esta edición tres versiones del mismo mito. La de José Zorrilla, la de Moliére y la de Tirso de Molina. Y sin embargo en Sevilla se cuenta la historia del caballero de origen noble y corazón cruel que secuestró y abusó de una joven muchacha.

En esta versión aparece un sirviente de Tenorio que va a darle un toque de humor a la trama junto con otros personajes que irán apareciendo en acciones sucesivas y locales en las que se irá retratando el don Juan mítico, sinvergüenza y vividor al que no le importa enfrentarse en duelo a sus propios compañeros y amigos, un caballero contra la religión que se ríe de las convecciones sociales, que huye del matrimonio y lo usa para conseguir a sus víctimas para abandonarlas a continuación. Capaz de perseguir a dos mujeres a la vez como dice el criado, sin importar edad, posición social o físico. Doña Inés ha sido sustituida por doña Elvira la cual está viva y fuera del convento de donde la casó para casarse pero la abandonó como a todas, a vengarla acuden los hermanos pero por casualidades de la vida uno de ellos se hace deudor de don Juan. Vive éste en un continuo huir y huir de acreedores y novios, pasando apuros económicos. Digamos que es una versión de un don Juan más cotidiano con un final apoteósico, excesivamente imaginativo, pero sin las fantasmagóricas apariciones que propone Zorrilla. El padre le echará su parrafada de gamberro insolente y él asumirá el papel de hijo arrepentido, pero será el Comendador el que se lleve la palma cobrando vida a través de la estatua de su tumba. Escrito en cinco actos y con diferentes escenas.

Fue estrenada el 15 de enero de 1665. La acción en este caso se sitúa en Sicilia. Moliére fue muy criticado en su época e incluso sufrió censura en algunas representaciones.

Jean-Baptiste Poquelin (París 1622 - 1673) recibió el sobrenombre de Moliere. Fue un famoso poeta, dramaturgo y actor considerado como representante de la Comedia Francesa a nivel universal, sus obras son sumamente conocidas. En su teatro pretende denunciar el abuso de aquellos personajes que ejercen falsamente profesiones a través de las que pretenden dominar a sus vecinos, aquellos engañosos médicos, religiosos, etc. que se aprovechan de la ignorancia y la buena fe de la gente para vivir del cuento. Y la falsedad de una sociedad ociosa que quiere más aparentar que ser. Usa el humor, la sátira para componer comedias y tragicomedias tales como Tartufo, El avaro, El enfermo imaginario, El médico a palos, etc. Debido a su éxito alcanzó un gran reconocimiento y fama  en vida.

@ 2022 by Santiago Navas Fernández

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